19 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA

Caracas, 07 de Octubre de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 19

CHRISTIAN PETZOLD/MINUETO IN SOL MAYOR/THE TOYS/A LOVER’S CONCERTO

Durante mucho tiempo esta composición fue atribuida a Johann Sebastian Bach porque apareció en un libro titulado Notebook for Anna Magdaleno Bach, la segunda esposa de Bach y por esa razón se pensó que fue escrita por el compositor. En realidad era un cuaderno en donde recopilaban composiciones de varios autores pero desde 1970 la autoría se le reconoce a Christian Petzold. En 1965 se le añadió una letra, se le hizo un arreglo y fue lanzado como un tema pop por el grupo The Toys alcanzando los primeros lugares en las carteleras discográficas consiguiendo el disco de oro Tiene más de veinte versiones en inglés y en español la cantante Karina, de Andalucía, España la grabó en español con el título Concierto para enamorados.

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LUDWIG VAN BEETHOVEN/LA QUINTA SINFONÍA/WALTER MURPHY/A FIFTH OF BEETHOVEN

Uno de los temas emblemáticos y más populares de las composiciones de Beethoven lo constituye La Quinta Sinfonía compuesta entre 1804 y 1808, estrenada el 22 de diciembre de 1808. Walter Murphy le hizo una adaptación al género de la música disco y la lanzó al mercado en mayo de 1976 alcanzando los primeros lugares en la mayoría de las carteleras mundiales. El nombre “A Fifth of Beethoven” es un juego de palabras. En muchos lugares hispano parlantes fue traducida como La Quinta de Beethoven (haciendo referencia a La quinta Sinfonía y que fifth se traduce como quinto) pero en realidad es “Un Quinto de Beethoven” ya que no es la pieza completa y además un quinto es una medida habitual en los líquidos la cual se utiliza mayormente en los licores fuertes o aguardientes lo que en muchos países latinoamericanos se llama un “cuartico” o “carterita” y Murphy quiso utilizar el nombre con ese fin dándole múltiples sentidos.

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LUDWIG VAN BEETHOVEN/HIMNO A LA ALEGRÌA/WALDO DE LOS RÍOS/MIGUEL RÍOS

El Himno a la Alegría (Ode to Joy – Oda a la alegría) es una composición de Beethoven que pertenece a La Novena Sinfonía con letra del poeta Friedrich Schiller. En 1970 el compositor, intérprete y arreglista Waldo de los Ríos venía acariciando el proyecto de tocar las grandes Oberturas y partes de las Sinfonías con arreglos en el campo del pop, es decir, un matrimonio entre la música clásica y el pop que fuera asequible a un mayor  público. Pensó en el tema Oda a la Alegría y consiguió a un cantante que se llamaba Mike Ríos (posteriormente Miguel) conocido en una época como El Rey del Twist. La versión vendió millones de copias alcanzando su intérprete la internacionalidad. Ha sido el mayor éxito en su carrera.

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18 CURIOSIDADES DEL JAZZ, CLÁSICA Y ROCK

Caracas, 30 de Septiembre de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 18

DOS GUITARRAS CON NOMBRE

LUCILLE/B.B. KING (1925 – 2015)

En la biografía de B.B. King se cuenta que estando tocando en un club dos personas iniciaron una pelea por una mujer llamada Lucille y accidentalmente se inició un incendio dentro del local. Todos salieron corriendo rápidamente. Cuando King estaba fuera se dio cuenta que había dejado su guitarra Gibson dentro del local. Arriesgándose entró a buscarla y a la salida la bautizó con el nombre Lucille en honor a la mujer de la disputa.

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BLACKIE/ERIC CLAPTON

En 1970 Eric Clapton compró seis guitarras Stratocaster, tres se las regaló a sus amigos y las otras tres las desarmó para construir una nueva. Como la caja era de color negro la llamó Blackie (Negrita) ya que su primera (una Gibson) la había llamado Brownie (Marroncita). Quince años después le dio descanso por problemas en el mástil aunque de vez en cuando la utilizaba. Clapton tiene una fundación llamada Crossroads Center. Es un centro de rehabilitación para socorrer a las personas afectadas por el alcohol y las drogas. En búsqueda de fondos la entregó a la casa Christie en donde fue subastada por un monto de 950.000 dólares.

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DOS GUITARRAS CURIOSAS

BO DIDDLEY (1928 – 2008) Y SU CIGAR BOX GUITAR

Fue un compositor, guitarrista que tuvo una gran influencia en los músicos de los comienzos del rock, entre los que se puede mencionar a Elvis Presley, The Beatles y The Rolling Stones entre tantos otros. Su guitarra rectangular, la Cigar Box Guitar (Cigar Box se traduce como caja de puros, tabacos) fue su sello distintivo.

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PETER TOWNSHEND Y JIMMY PAGE CON  SUS GUITARRAS DE DOBLE MÁSTIL

El primer modelo fue fabricado entre los años 1958 y 1961. El mástil superior tiene 12 cuerdas y el inferior seis. Se dice que fue Peter Townshend del grupo inglés The Who quien primero la utilizó en un concierto pero quien realmente popularizó la Gibson EDS 1275 fue Jimmy Page del grupo Led Zeppelin ya que la tocó durante la interpretación del tema Stairway To Heaven que aparece en el documental The Song Reamains The Same sobre unas giras y conciertos del grupo. Es una guitarra muy pesada (5,9 kilos) para interpretar todo un concierto con ella por eso la utilizan ocasionalmente y en algunos temas exclusivamente.

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17 CURIOSIDADES DEL JAZZ, CLÁSICA Y ROCK

Caracas, 23 de Septiembre de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 17

GEORGE GERSHWIN NO ERA JAZZISTA

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George Gerswin (1937)

Uno de los grandes compositores de los estándares del jazz en ningún momento compuso con esa intención. Era especialista en música clásica (Rhapsody in Blue, An American in Paris, Porgy and Bess) en donde utilizó cierto aires jazzísticos y, además, de comedias musicales. En sus composiciones utilizaba una fuerte melodía y acordes muy interesantes los cuales son elementos muy apreciados por los jazzistas en el momento de buscar temas para realizar improvisaciones. Sólo para hacer un pequeño listado sus temas más grabados son: Summertime, Lady Be Good, Embreaceble You, But Not For Me, Someone To Watch Over me, I Got Rhythm)

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AEROPUERTOS MUSICALES

Río de Janeiro.Se considera a la Bossa Nova un encuentro entre la música brasileña y el jazz. Antonio Carlos Jobim es sin duda el padre de este género musical. Sus temas son tocados por los jazzistas de todo el mundo. Desde 1999, cinco años después de su muerte el aeropuerto de Río de Janeiro lleva su nombre.

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New Orleans. Es la cuna del jazz y Louis Armstrong es su hijo predilecto. Revolucionó el estilo cuando dio inicio al nacimiento del solista, a la improvisación individual, al scat y el canto en el jazz. Desde el 2001 el aeropuerto internacional de esta ciudad lleva su nombre.

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Liverpool. Uno de los ciudadanos más ilustres de esta ciudad es el beatle John Lennon. Desde el año 2001 el aeropuerto internacional de su ciudad de nacimiento lleva el nombre Liverpool John Lennon Airport y en uno de sus salones se colocó una estatua de Lennon. En su logo se le añadió una línea de la letra de la canción Imagine “Above us only sky”. Es el primer aeropuerto en el Reino Unido que lleva el nombre de una persona.

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DJANGO REINHARDT CON SÓLO DOS DEDOS

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Django Reinhardt (1946)

Para muchos uno de los grandes guitarristas de todos los tiempos en el jazz. Es la primera figura europea que se da a conocer con este instrumento en este campo y responsable de grandes contribuciones e innovaciones en la forma de tocarlo. En 1928, cuando tenía 19 años, debido a un incendio recibió quemaduras de primero y segundo grado trayendo como consecuencia la paralización de sus dedos cuarto y quinto de su mano izquierda. Desde entonces tocó la guitarra sólo con los dedos índice y medio.

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FESTIVALES DE JAZZ

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Se podría pensar que los primeros festivales de jazz se iniciaron en USA. La realidad no es esa. El primero se hizo en Niza, Francia en 1948 y fue organizado por el Hot Club du France, una agrupación liderada por Django Reinhardt y el violinissta Stephane Grapelli. Uno de los asistentes fue Louis Armstrong y su All Stars. El segundo se hizo ese mismo año en Paris y entre otros estuvieron Coleman Hawkins y Errol Garner. Al año siguiente se hizo de nuevo en Paris al cual asistió Miles Davis. Fue en 1954 cuando se hizo el primer festival en USA en la ciudad de Newport.

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02 HABLEMOS DE JAZZ…

Caracas, 16 de Septiembre de 2016

HABLEMOS DE… JAZZ 2

Continuando con el Hablemos de… jazz 1, otras de las preguntas frecuentes es:

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Es una pregunta sumamente complicada. El reconocido escritor Ted Gioa escribió un libro sobre el tema titulado How To Listen To Jazz. No lo he leído pero de este escritor también se pueden encontrar los siguientes títulos en español: Historia del jazz; Blues, la música del Delta del Mississippi y El canon del jazz. Todos muy buenos. Pero, ¿cómo escucharlo? Cada quien tiene su manera y esta es una de ellas.

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COMENZAR CON BALADAS DE JAZZ

Si nos queremos acercar al jazz de manera disimulada, como quien no quiere la cosa o “vamos a intentarlo” lo mejor es hacerlo con baladas en donde el instrumento líder sea un saxo, ya sea alto o tenor, o una trompeta en donde no haya tanta improvisación. Existen innumerables discos de saxofonistas como Stan Getz, Coleman Hawkins, Lester Young, Johnny Hodges y Ben Webster (sólo por nombrar a cinco) y entre los trompetistas hay de Louis Armstrong, Chet Baker y Miles Davis dedicados a las baladas que son espectaculares, pero cuidado los demás discos de este último músico no son fáciles. Confíe en un amigo, que sea un conocedor y que le haga unas recomendaciones, le copie un CD o le haga una mezcla de baladas con varios instrumentos.

OÍGALOS SIN ESCUCHARLOS UNAS DOS O TRES VECES

En el capítulo anterior hablamos entre la diferencia de oír y esuchar por eso durante los momentos que está realizando una actividad como arreglando su biblioteca de libros, de CDs, películas, leyendo, estudiando, etc., oiga el disco. Aunque no crea que le está prestando atención sin embargo el cerebro si lo hace y de esta manera comienza a familiarizarse con la interpretación y sobre todo con la melodía.

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ESCUCHE LOS INSTRUMENTOS POR SEPARADOS

Completado lo anterior lo ideal es escuchar los instrumentos por separados comenzando con el instrumento líder, luego con los restantes que es lo que suele llamarse la sección rítmica que normalmente está integrado por una batería, piano y contrabajo. Una vez que se ha hecho esta fase preliminar se escuchan todos en conjunto. Parece un trabajo pero en realidad no lo es para aquellos que disfrutan de la música con pasión: los melómanos. Luego se puede pasar a producciones de big bands como Duke Ellington, Count Basie y Benny Goodman

COMIENZA LA AVENTURA

Una vez superadas estas dos etapas se puede hablar de estilos y empezar a conocerlos. Lo recomendable es buscar lo más sencillo del cool jazz como ña música de Chet Baker y poco a poco profundizar en los otros que existen, que son muchos.

NO ES TAN COMPLICADO COMO CREÍA

Con algunas personas que hemos intentado esto comentan que la cosa no es tan difícil. Por supuesto esa persona no se va a convertir en un experto o un coleccionista en un año, ni en cinco. Eso requiere tiempo pero es un primer paso para comenzar a apreciar una música que hasta ahora había visto con distancia,.

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01 HABLEMOS DE… JAZZ

Caracas, 02 de Septiembre de 2016

HABLEMOS DE… JAZZ 1

Esta nueva sección servirá para reflexionar en voz alta sobre algunos tópicos de la música, con guiños autobiográficos. El objetivo es compartir y en lo posible conversar con los lectores lo cual pueden hacer colocando sus comentarios en el campo que se encuentra al final del post DEJA UNA RESPUESTA o por Facebook. Los invito a participar.

Cuando tenía una vida social muy activa y en las conversaciones aparecía el tema de la música inmediatamente decía que me gustaba el jazz y el rock. Cuando mencionaba el jazz en ese instante me convertía en un ser extraño al cual se miraba como si fuera un extraterrestre. Era lo que sentía. Aprendí a ocultarme, ya no saco el tema de primero y cuando alguien lo asoma me confieso un creyente y aprovecho para exponer “mis extrañezas”. En esas reuniones y en algunas conferencias que he tenido la suerte de dictar se me han hecho preguntas recurrentes tales como: ¿por qué te gusta el jazz, cómo escucharlo, qué es un músico de jazz, cuáles son los mejores discos, cuáles recomendarías, etc.? Vamos a intentar darles respuestas a algunas de ellas

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¿POR QUÉ ME GUSTA EL JAZZ?

Todas las respuestas acerca del jazz no son fáciles porque siempre involucran las vivencias de aquel que responde. En las investigaciones científicas se dice que toda conclusión está afectada por los conocimientos, experiencias y cultura del investigador. Así que mi respuesta está influenciada por lo mismo. Tuve la suerte de nacer en un hogar en donde mi padre escuchaba todo tipo de género musical, entre ellos jazz, y eso me fue creando un amor por la música y aquí entra una palabra clave: amor. A mucha gente le gusta la música y la oye pero no la escucha. Existe una diferencia. En el primer caso no hay atención en el segundo sí. En el primer caso se disfruta en el segundo se disfruta y se vive. En el primer caso es algo pasajero en el segundo se colecciona, se estudia, se investiga, se lee, se trata de aumentar el conocimiento con amigos y conocedores, se comparte, es algo permanente. El jazz requiere todo lo segundo, en conclusión requiere amor.

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SIN LÍMITES

El jazz es una música que no tiene límites, está en constante evolución, creando nuevas armonías y para aquellos que la vivimos es una continua aventura. En una oportunidad el rockero Carlos Santana dijo que el rock era una piscina y el jazz un océano. En conclusión podía haber respondido: simplemente porque me gusta, me llena y me emociona. Ahora bien, todo lo anterior son comentarios subjetivos. Sin embargo, la señora ciencia se ha empecinado en explicar todo y leamos las conclusiones de un estudio realizado en Noruega.

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ENTRA LA CIENCIA

En el número de la revista Nature, especializada en artículos científicos, correspondiente al 19 de Noviembre del 2009 se relata que los investigadores de Sistemas de Neurociencias del Instituto Kavli y el Centro de Biología de la Memoria, de la Universidad Noruega de Ciencia y Tecnología (NTNU), han llegado a la conclusión de que el cerebro funciona como una radio con una especie de dial que sirve para sintonizar frecuencias (ondas de radio) y cuando las células nerviosas “sintonizan” una estación favorita comienza a disfrutar. Hablan de las diferentes ondas que genera el cerebro de acuerdo a la actividad que realiza, pero esto es otra discusión más profunda. No obstante, utilizan un lenguaje coloquial cuando expresan: “Solemos decir, cuando sentimos que hemos contactado con alguien, que estamos en la misma onda”. El artículo es extenso y oscuro para los que somos profanos en la materia, Dejémoslo hasta ahí.

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EN SINTONÍA CON EL JAZZ

No hay dudas de que cuando se compara el jazz con el rock, rap, hip hop, y otros géneros es muy fácil concluir que sus frecuencias y longitudes de onda de cada uno de ellos son diferentes. Todos los cerebros también lo son así como sus longitudes de onda. Por estas razones estoy convencido que cuando las células nerviosas del mío “sintonizan” música, sintonizan jazz.

Por todo lo anterior me gusta el jazz. He intentado ser concreto. A lo mejor respondí la pregunta o quizás los enredé más. Ahora comenten.

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16 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA

Caracas, 02 de Septiembre de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA 16

THE BEATLES / PLEASE PLEASE ME

McCARTNEY/LENNON Y LENNON/McCARTNEY

En el primer álbum de The Beatles, Please please me (Por favor compláceme) todos los temas escritos por la pareja salieron registrados con la firma McCartney/Lennon de ahí en adelante como Lennon/McCartney.

PAUL: Registrar las canciones como Lennon/McCartney fue una decisión que tomamos al principio porque aspirábamos ser como Rodgers/Hammerstein. La combinación de los nombres era interesante. Yo quería que fuera McCartney/Lennon pero John era el que tenía una personalidad más fuerte y creo que arregló las cosas antes de que fuéramos a esa reunión en donde todos dijeron que se debían registrar a nombre de Lennon/McCartney. Dije, no, Lennon no debe ser el primero, pero ellos insistieron argumentando que con Lennon de primero sonaba mejor. Al final acabé diciendo que me daba igual

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PLEASE PLEASE ME (la canción)

La primera versión de este tema y que nunca llegó a presentarse en los discos oficiales es lenta al estilo de Roy Orbison (Pretty Woman), un cantante y compositor sumamente admirado por The Beatles.

PAUL: A George Martin no le gustó y nos dijo que podríamos cambiarle el tempo. No sabíamos que era eso y él lo hizo. Quedó mejor. En realidad estábamos algo avergonzados de que su tempo fuera mejor que el nuestro. La trabajamos durante un mes y al presentarla de nuevo nos dijo: Señores tienen su primer número uno. Y así fue.

Es muy difícil conseguir la versión lenta. El cantante Matt Dusk en su disco del 2004 presenta una versión que nos hace pensar que la primera versión de The Beatles podría haber sonado así.

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PLEASE PLEASE ME (album)

Se grabó en una sesión corrida que duró doce horas.

GEORGE MARTIN: Sabíamos que el tema “Twist and Shout” era una destroza laringe. Creo que les dije “No la grabáremos sino al final del día ya que si la hacen al principio quedarán sin voz”. Grabamos dos tomas y después de eso a John no le quedaba casi voz. Quedó bastante bien para el disco ya que necesitaba un sonido desgarrado.

A propósito de esta canción en un concierto John soltó una de sus frases por lo cual se hizo célebre

JOHN: el concierto fue en el Royal Command Performance, una gala a beneficio de algo. Estaba increíblemente nervioso. La Reina Madre estaba allí pero quería decir algo para rebelarme un poco y dije lo único que se me ocurrió: “Los de los asientos más baratos aplaudan y los demás bastará con que agiten su joyas.”

PAUL: La Reina Madre nos preguntó dónde tocaríamos la noche siguiente: En “Slough”, le dije. Y ella dijo: “Oh, eso no nos queda cerca.”

 

PLEASE PLEASE ME (la distribución en USA)

Se decía que el tema estaba dotado de una carga sexual y Capitol Records, subsidiara de EMI, no quiso distribuir el disco en USA porque pensaban que quien escuchara el disco podría interpretarlo como una oda al sexo oral y terminó distribuyéndolo Chicago Vee-Jay. Luego del éxito de la canción Capitol retomó la distribución y se olvidaron de lo anterior.

PAUL: personalmente creo que todo se puede interpretar como se quiera pero cuando alguien sugiere que “Can’t Buy Me Love” trata de una prostituta, por ahí no paso, eso es ir demasiado lejos.”

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15 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y BOSSA NOVA

Caracas, 26 de agosto de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y BOSSA NOVA 15

TRES RECHAZOS INOLVIDABLES

WHAT A WONDERFUL WORLD / TONY BENNETT

En una entrevista que se le hizo al cantante de jazz Tony Bennett le preguntaron si tenía que arrepentirse de algo en su carrera musical y contó lo siguiente:” A mí me ofrecieron de primero el tema What a Wonderful World pero no me gustó esa cancioncita”. El compositor, Bob Thiele, contactó a otro jazzista, Louis Armstrong, quien cuando cantaba presentaba una imagen de abuelo bondadoso que la aceptó inmediatamente grabándola en 1967. Han pasado cincuenta años y se ha convertido en un tema icónico siendo incluida, en 1999, en el salón de la fama del Grammy. Se le han hecho innumerables versiones, una de ellas es la de Tony Bennett

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THE BEATLES / SELLO DECCA

En 1961, cuando ya habían alcanzado un gran reconocimiento en Hamburgo, The Beatles creyeron conveniente dar el próximo paso: grabar un disco. Le pidieron a su manager Brian Epstein que empezara los contactos con las empresas disqueras importantes de Inglaterra. Luego de visitar Columbia, Phillips, Pye y Oriole ninguno mostró interés hasta que al fin el sello Decca les ofreció la oportunidad de una audición. Los escucharon y no gustaron. Les dijeron que ya habían demasiados grupos de guitarra y culminaron con “The Beatles have no future in show business” (The Beatles no tienen futuro en el negocio del espectáculo). Sin embargo, ese mismo día, contrataron a The Tremeloes, también de guitarras que históricamente tuvieron dos o tres éxitos y prácticamente están en el olvido. Fueron al sello EMI y ni siquiera se molestaron en oírlos. Epstein siguió insistiendo con Parlophone, una subsidiaria de EMI quienes debido al entusiasmo de Epstein les ofrecen una oportunidad y le colocan de productor musical a George Martin, un hombre especializado en hacer discos con comediantes, con muy poca experiencia en el rock, y que había trabajado con los actores Peter Ustinov, Peter Seller y Dudley Moore. Lo demás es historia ampliamente conocida.

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CHEGA DE SAUDADE/ANTONIO CARLOS JOBIM/JOAO GILBERTO

Es un tema con música de Antonio Carlos Jobim y letra de Vinicius de Moraes. Es considerado la primera canción de la bossa nova aunque la intención inicial no fue esa y ni siquiera el término ni el género existían. La primera versión, de Elizete Cardozo (1958) pasó sin penas ni gloria. Jobim y Gilberto estuvieron trabajando casi un año para darle la forma definitiva, fue una época de peleas y discusiones porque se estaba creando algo nuevo sin saberlo. Cuando el disco estuvo listo (1959) se le presentó a un ejecutivo del sello Odeon, en Río de Janeiro, e inmediatamente lo rechazó y rompió el 78rpm exclamando: “¿Por qué me mandan cantantes con resfriados?” El tema presentaba un intérprete con muy poca voz, casi un susurro y para colmo con una guitarra obviando la presencia del instrumento líder acostumbrado en esa época: el acordeón. Jobim y Gilberto insistieron, fueron a Sao Paulo, en donde se convirtió en un éxito influenciando a toda una generación, creando un género, dándole presencia a la guitarra acústica y al canto suave.

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14 CURIOSIDADES DE LA MÚSICA

Caracas, 19 de agosto de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 14

EL FILIN

En una entrevista que le hizo la Universidad de Guadalajara al compositor Cesar Portillo de La Luz (Contigo en la distancia, Tú, mi delirio, entre tantas otras canciones) dijo que a mediados de la década de los años cuarenta el bolero estaba influenciado por el drama y la tragedia del tango. En un artículo escrito por Eddy Rafael Pérez en El Nacional con fecha 4 de enero de 1987 contó que en esa década se comenzaron a reunir un grupo de músicos entre los que estaban él, José Antonio Méndez (La gloria eres tú), el Niño Rivera, el Ñico Rojas, Jorge Mazón y las cantante Elena Burke, Omaira Portuondo y Moraima Secada, entre otros, quienes iniciaron un movimiento en donde las composiciones e interpretaciones estaban llenas de vivencias, amor, sensibilidad y dotadas de renovaciones melódicas y armónicas con textos coloquiales. La gente que los escuchaba decía que eran muchachos con “feeling”, es decir, con sentimientos reales por lo que estaban tocando y cantando. Con el tiempo la expresión “feeling” se fue latinizando y ese movimiento se identificó con el nombre Filin.

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Cesar Portillo de La Luz (voz y guitarra)

EL CEREBRO DE LOS MÚSICOS

En la edición de la revista Discovery de Marzo 1994 se muestra un estudio de la Universidad de Dusseldorf en donde se le hizo un estudio de resonancia magnética a los cerebros de 27 músicos varones con entrenamiento clásico, derechos, ejecutantes del piano y de los instrumentos de cuerda los cuales se compararon con los de 27 personas masculinas, derechas, sin entrenamiento musical. Estos estudios demostraron que el cuerpo calloso (es el haz de fibras nerviosas más extenso del cerebro humano. Su función es la de servir como vía de comunicación entre un hemisferio cerebral y otro, con el fin de que ambos lados del cerebro trabajen de forma conjunta y complementaria) en los músicos es más grande. Se argumenta que es debido a que el músico debe escuchar, leer y tocar al mismo tiempo cuando hace interpretaciones. No dicen nada sobre aquellos que cuando tocan a la vez improvisan, es decir, componen a la vez que tocan, por ejemplo los jazzistas. National Geographic hizo un documental sobre el tema.

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HÉCTOR LAVOE

Cuando Héctor Juan Pérez Martínez estudiaba el saxofón uno de sus maestros le recomendó que hiciera un esfuerzo para tener mejor dicción porque debido a su presencia podía ser un excelente bolerista. Así lo hizo, abandonó el instrumento y se unió al grupo The New Yorkers con quien grabó su primer tema “Está de bala” (Mi china me botó). Posteriormente su agente pensó que con ese nombre no llegaría a ningún lado y creyó conveniente cambiárselo a Héctor Lavoz, pero ya existían Frank “The Voice” Sinatra y Felipe “La voz” Rodríguez. Le dieron un giro y lo convirtieron en Héctor Lavoe

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13 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 03 de Junio de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 13

JAZZ, RACISMO Y DISCRIMINACIÓN (1 de 2)

La Guerra Civil de los EE.UU. (1861 – 1865) trajo, entre otras cosas, el fin de la esclavitud. Los estados del sur, los perdedores, no se conformaron con ese resultado y comenzó otro período tormentoso en la historia de la raza negra.

Coloured

Hasta principios de los años sesenta los negros sufrieron abiertamente segregación, racismo, discriminación y marginamientos en las diferentes actividades de la vida social. No tenían derecho al voto, los matrimonios interraciales no eran bien vistos, existían restaurantes para blancos y negros, en el transporte se separaban los asientos que eran para blancos de los que eran para los negros, en las escuelas de blancos no podían estudiar los negros, los parques tenían áreas para cada raza, las oportunidades de trabajo no eran iguales y cuando se conseguía los sueldos eran menores. De esto no escaparon los músicos de jazz

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FLETCHER HENDERSON (1897 – 1952)

Fletcher

Pianista, arreglista, compositor y director se le acredita el desarrollo de la big band en el jazz. En 1920 se graduó en química y matemática y decidió hacer un postgrado en la Universidad de Columbia de New York pero se dio cuenta que debido a su color sus posibilidades de ejercer esta carrera eran muy bajas por lo que se cambió, afortunadamente, a la música dejando un legado importante.

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ANÉCDOTA EN EUROPA

En la prehistoria del jazz, cuando todavía no estaba totalmente desarrollado, existió un músico negro, James Reese Europe, con una gran capacidad empresarial que pudo organizar una orquesta, integrada totalmente por gente de su color, con la cual viajó a Europa durante la Primera Guerra Mundial. En Francia, país de libertades, no escaparon a la “creencia” inventada acerca de que los negros no podían hacer buena música simple y llanamente por ser considerados inferiores. Luego de una presentación un grupo de  músicos franceses se acercó a la agrupación y elaboraron la teoría siguiente: los negros tocan bien y tienen “swing” porque los instrumentos están “preparados”. Se intercambiaron los instrumentos: los negros tocaron con los de los blancos y viceversa. La situación siguió igual. Los negros sonaban espectaculares. Argumentaron otra teoría: las partituras son “diferentes”. Se intercambiaron las partituras y los negros seguían con el swing mientras que los franceses seguían sonando académicos. No les quedó más remedio que retirarse sin comprender lo que pasaba.

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COTTON CLUB (Harlem, 1923 – 1935)

Cotton Club

Fue un club exitoso exclusivamente para blancos ubicado en el barrio Harlem (para esos años mayormente habitado por negros) de New York. Esta raza solamente tenía entrada como mesoneros, cocineros, aseadores, bailarines y músicos. Por ese sitio desfilaron las orquestas de Duke Ellington, Cab Calloway, Jimmie Lunceford, Count Basie (todas dirigidas e integradas por negros) entre otras.

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UNA DE LAS PRIMERAS AGRUPACIONES INTERRACIALES

Durante los años veinte y treinta, época de racismo claramente definido y exhibido, los músicos, sin embargo, disfrutaban de un entendimiento en donde esas barreras fueron derrumbadas. Blancos y negros tocaban entre sí pero de manera clandestina, en sitios de ensayos, en los clubs luego que cerraban, muy difícil que lo hicieran en público. Una de las primeras agrupaciones las hizo el clarinetista Benny Goodman siendo la más famosa de ellas las que integraron el pianista Teddy Wilson, el vibrafonista Lionel Hampton (ambos negros) y Gene Krupa (batería) y Goodman (clarinete) blancos. Todavía, en los cincuenta, cuando Charlie Parker contrató al trompetista blanco, Red Rooney, para hacer una gira por el sur para evitarse conflictos lo anunciaba como el Albino Roodney.

HKWG

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(en el próximo post termina esta serie sobre el racismo y la discriminación en el jazz).

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12 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 02 de Abril de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 12

ASÍ ENTRA EL PIANO AL JAZZ

Piano player

Desde las películas de vaqueros nos hemos acostumbrados al pianista solitario ambientando al saloon. Esa imagen ha persistido en el tiempo y todavía existe. A finales del siglo XIX, entre 1880 y 1900 se fue desarrollando un estilo en el piano, el ragtime, una de las raíces del jazz, el cual sonaba así:

Scott Joplin – The Entertainer (1902)

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Durante esos años comenzó a gestarse una música que luego se llamaría jazz y en donde los instrumentos que se utilizaban eran el clarinete, la corneta (luego sustituida por la trompeta), el trombón, la tuba (para producir las notas bajas y luego sustituida por el contrabajo) e instrumentos de cuerdas como el violín, el banjo y la guitarra. Entre los trabajos de estas agrupaciones estaban la de acompañar los entierros al cementerio con música triste y al retorno con música alegre. Impensable era tener dentro del grupo a un piano y un contrabajo.

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DOS POR UNO

En New Orleans existió un distrito de luces rojas llamado Storyville (1897 – 1917) en donde había mucho trabajo para los músicos pero fue clausurado por ser un centro de perdición. Alrededor de 1917 empezaron a cerrar los locales disminuyendo las oportunidades para las agrupaciones con muchos integrantes, entonces el cornetista Freddie Keppard (1889 – 1933), quien en ese entonces dirigía la Original Creole Orchestra (1911 – 1923) creyó necesario despedir a dos de sus miembros, al guitarrista W.M. Williams y al violinista Jimmie Palao y los sustituyó por un pianista, es decir, dos por uno para abaratar los costos y así poder subsistir mejor como grupo. Sin embargo, los pianistas eran unos segundones: sólo acompañaban. Posteriormente la orquesta la dirige el cornetista Joe King Oliver y contrata a la pianista Lil Hardin (quien luego sería esposa de Louis Armstrong) pero el marginamiento era tan grande que a Harding se le ocurrió hacer un solo y al terminar se volteó Oliver y le dijo al grupo: parece que tenemos otro clarinetista.

Original Creole Orchestra

Original Creole

 

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A partir de mediados de los años veinte, el pianista Jelly Roll Morton, decidió que ya era hora de cambiar las cosas y lideró un grupo llamado Jelly Roll Morton and The Red Peppers y de ahí en adelante comenzó otra historia con una lista interminable de grandes instrumentistas y líderes.

Piano

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