11 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 27 de Marzo de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 11

EL TORMENTOSO CAMINO DEL SAXO

El saxo es un instrumento melódico cuya incorporación al jazz fue tardía. Era totalmente desconocido en las bandas ambulantes de los negros de New Orleans en donde prevalecía la alineación trompeta-trombón-clarinete. Alrededor de 1917 el tenor y el barítono comenzaron a verse en aquellas agrupaciones contratadas por los barcos que surcaban el río Mississippi. Pero no fue sino a partir de 1920, en Chicago, cuando el instrumento comienza a hacerse importante al romper el confinamiento en que se encontraba en las bandas militares y pasa a formar parte de los grupos jazzísticos.

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HISTORIA

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Adolphe Sax

El padre del saxo sin dudas algunas fue el belga Adolphe Sax (1814-1894). Cuando lo patentó en 1846, los luthiers franceses no querían reconocerlo. Al comienzo su diseño sólo sirvió para irritar a sus competidores. El compositor Hector Berlioz, sobre este respeto escribió: “Las persecuciones por él sufrida son dignas de la Edad Media. Inclusive se le hicieron ataques físicos y tuvo que arreglárselas para sobrevivir a emboscadas. En una oportunidad uno de sus obreros fue apuñalado y se pensó que Sax había sido un blanco errado”.

La carrera del saxo ha sido accidentada. En una exhibición en París, un antiguo partidario de Sax, sugirió maliciosamente que el instrumento sólo sonaba bien, cuando era ejecutado por alguien tan hábil que hasta pudiera sacarle notas a un palo de escoba. El periódico The London Daily News, publicó en una edición: “El saxofón es un largo instrumento de metal, doblado en ambos extremos;  se dice que es para hacer música, pero esto no está probado. Tiene una serie de perforaciones y válvulas delgadas, que cuando son tocadas produce un sonido sugiriendo una agonía indescriptible. Realmente este era el problema básico, su sonido individual no compaginaba con los demás instrumentos de las orquestas sinfónicas”.

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Durante muchos años, el saxo estuvo relegado a las fanfarrias, circos, bailes y bandas militares, y todavía sus defensores, hasta la Primera Guerra Mundial, debieron luchar con mucho tesón para superar los prejuicios existentes.

JAZZ

En el jazz se utilizan principalmente el saxo alto, tenor, barítono y soprano.

FAmilia de saxos

 

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Luego de un comienzo tan accidentado y una incorporación tardía, la familia de los saxos se ha venido convirtiendo en unos de las más importante y populares del siglo veinte y veintiuno en el campo de la música popular y el jazz. Es un símbolo. La mayoría de los posters, portadas de discos, logos y nombres e incluso la substitución de la J por un saxofón a la hora de escribir jazz son una prueba de ello. Permanece como uno de los pocos instrumentos acústicos que todavía sorprende con sus posibilidades. Su espectacularidad sigue produciendo individualidades décadas tras décadas que atraen nuevos seguidores. Después del piano es quizás el instrumento que más talentos ha producido. Los días tormentosos han pasado.

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10 CURIOSIDADES DE LA MÚSICA CLÁSICA

Caracas, 13 de Febrero de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA CLÁSICA 10

CARMINA BURANA / CARL ORFF

Carmina

Para algunos la cantata Carmina Burana lleva el nombre de una mujer. En realidad el nombre está en latín y significa: Las canciones buranas. Carmina es el plural de Carmĕn que significa poema, canto y cantico y burana es el gentilicio que indica la procedencia: de Bura (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). Son poemas escritos entre los siglos XII y XIII en donde se pone de manifiesto el gozo por vivir, el interés por los placeres terrenales, el amor carnal, el disfrute de la naturaleza, y además son una crítica satírica a las diferencias sociales y a la iglesia. Eran años en los que cualquier cosa que se escribiera o cantara y que no estuviera dedicado a ensalzar a Dios era considerado profano. Por esta razón, cuando el compositor Carl Orff, entre 1935 y 1936, le puso música la subtituló: Canciones profanas para cantantes y coristas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas. Es una obra que transcendió su hábitat normal y se hizo muy popular entre el público no familiarizado con la música clásica. El tema con el que se inicia y cierra, O Fortuna, es quizás la pieza clásica que más se escucha en los medios. Ha aparecido en 11 películas (Excalibur, Speed, La Hija del General y otras); en 4 trailers; en 12 series de televisión y especiales; en 12 programas en vivo, reality tv y radio; en 5 publicidades (Old Spice, Domino’s Pizza y otros); ha sido versionada por más de 25 grupos de música pop, entre ellos DJs; ha aparecido en eventos deportivos y otros usos múltiples. O fortuna está dedicada a la diosa romana Fortuna, la patrona de la suerte. Su letra muestra las veleidades de la vida y como parece que estamos sometidos a los caprichos de un ser superior.


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MAURICE RAVEL / BOLÉRO

Ravel

La historia del Boléro (con acento en la e y se pronuncia boleró como si el acento tuviera en la o) del compositor Maurice Ravel tiene una historia curiosa. En 1927 la bailarina Ida Rubinstein le pidió a Ravel que compusiera un ballet de carácter español. Acordaron que se podrían orquestar seis piezas extraídas de la suite para piano, Iberia, del compositor español Isaac Albéniz. A Ravel se le advirtió que los derechos ya habían sido cedidos a otra persona por lo cual,así que, para no meterse en problemas decidió abordar el proyecto desde otro punto de vista. El ritmo original iba ser un fandango pero le pareció que para un ballet era un ritmo muy rápido y por eso prefirió enfocarlo hacia unas danzas españolas del siglo XVIII llamadas bolero (ritmo ternario) que no tiene nada que ver con el bolero de El Caribe (compás binario). Por esa razón el nombre original del proyecto Fandango fue cambiado a Boléro. El estreno, en 1928, fue un éxito y contribuyo a solidificar la posición de Ravel como el mejor compositor francés de su momento. Sin embargo, en 1930, en la Ópera de París, el director italiano Arturo Toscanini se tomó la libertad de tocarla dos veces más rápido que lo escrito y acelerando el final. El éxito fue mayor. A Ravel no le gustó y entre bastidores tuvo una discusión con el director. Hay dos versiones de ella. Una dice que Toscanini habría llegado a decirle: «Usted no comprende nada de su música. Era el único medio de hacerla pasar” y otra del escritor Alejo Carpentier que estuvo en la presentación pero no en la discusión

—Maestro… yo llevo el Boléro mucho más lento, dijo Ravel.

—Es un error —le respondió Toscanini—. La concepción misma de la obra, su carácter, su estilo, imponen el tempo que yo he adoptado.

La forma de Toscanini es la que mayormente se interpreta y la más conocida.

El flash mob que se deja a continuación tiene la frescura de un grupo joven y la utilización de muchos más instrumentos de vientos que lo que pauta el original, por esa razón el final puede escucharse diferente y algo extraño.

 

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09 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y MÚSICA CLÁSICA

Caracas, 09 de Febrero de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 9

EL CLUB 27

Es un club fatídico en el que la única condición exigida para poder ser aceptado es la de morirse a los 27 años. La lista de miembros es larga e incluye a músicos que de una manera trágica han terminado su vida ya sea por el abuso de drogas, alcohol o alguna causa no natural. El tema ha permitido que se escriba un libro (The 27s: The Greatest Myth of Rock & Roll) en donde se analizan cada una de las personalidades fallecidas a esa edad e inclusive la British Medical publicó un trabajo en donde decía que no había ningún riesgo estadístico de muerte para los músicos que llegaban a los 27 años pero si para los que tenían entre 20 y 30. Entre los nombres más conocidos están los siguientes:

Robert Johnson (06 Mayo 1911 – 16 Agosto 1938): un bluesista cuyas grabaciones realizadas entre 1936 y 1937 influenciaron a muchos músicos. Envenenado. 27 años y 100 días.

Robert Johnson

Brian Jones (28 Febrero1942 – 3 Julio 1969): multiinstrumentista, fue el fundador y líder original del grupo de rock The Rolling Stones. Ahogado. 27 años y 125 días.

Brian Jones

Jimi Hendrix (27 Noviembre 1942 – 18 Septiembre 1970) compositor y guitarrista del rock que revolucionó la forma de tocar la guitarra eléctrica. Asfixiado. 27 años y 295 días.

Jimi Hendrix

Janis Joplin (19 Enero 1943 – 04 Octubre 1970) muchos la consideran la mejor cantante de rock de todos los tiempos, entre ellos este bloguero. Sobredosis. 27 años 258 días

Janis Joplin

Jim Morrison (08 Diciembre 1943 – 03 Julio 1971) poeta y cantante líder del grupo The Doors. Dejó grandes temas clásicos en el rock. Paro cardíaco. 27 años y 207 días.

Morrison

Kurt Cobain (20 Febrero 1967 – 05 Abril 1994) cantante, guitarrista y líder del grupo Nirvana enmarcado en el género grunge del rock. Suicidio. 27 años y 44 días.

Kurt Cobain

Amy Winehouse (14 Septiembre 1983 – 23 Julio 2011) compositora y cantante en el jazz, rock y R&B. Intoxicación por alcohol. 27 años y 312 días.

Amy Winehouse

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SOUNDIES Y VIDEO CLIP

El término Video Clip es muy amplio y aquí nos referiremos sólo al campo musical. Se designa con este nombre a cualquier grabación breve con la intención de promocionar un cantante, grupo o canción en donde se utiliza tecnología y conceptos para ilustrar la composición. Los historiadores estiman que el primero hecho con esa intención fue el tema Jailhouse Rock de Elvis Presley en el año 1957 y los primeros conceptuales fueron Paperback Writer y Rain de The Beatles de 1966. Entre esos años fueron extraídos muchos cortos de los shows que presentaban grupos y cantantes que en realidad cumplen con la definición general: extracción de un corto de una pieza más larga. No obstante, en 1930, a Carlos Gardel se le filmaron diez canciones. Este bloguero considera que la película Fantasía (1940) de Walt Disney no es más que una colección de videos clips para promocionar las técnicas de animación en desarrollo (esto no desmerece en absoluto a la película, es una obra maestra). Sin embargo, el primer esfuerzo realizado de una manera intencional para mercadear músicos y música se realizó desde 1940 hasta 1947 con los Soundies los cuales eran películas que duraban 3 minutos hechas en 16 mm y que podían verse en un aparato llamado Panoram, parecido a una rockola (jukebox) que mediante una moneda se podía disfrutar del artista y su música. Estos soundies fueron ampliamente utilizados por los jazzistas de la época y todavía se conservan de las big bands y de individualidades como Gene Grupa, Jimmy Dorsey, Mel Tormé y Stan Kenton entre otros.

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08 CURIOSIDADES DEL JAZZ Y EL ROCK

Caracas, 12 de Enero de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ Y EL ROCK 8

ESCRITORES QUE SE DEDICAN A LA MÚSICA

En el mundo de la literatura existen personalidades que han podido enfrentar el campo musical con éxitos, moderados éxitos o sólo como una diversión. Son los casos, entre otros, de Jim Morrison, Woody Allen, Hugh Laurie y Stephen King

JIM MORRISON / THE DOORS

Morrison

James Douglas “Jim” Morrison (1843 – 1971) antes de convertirse en el cantante exitoso del grupo The Doors y de canciones icónicas del rock como Light my fire y Riders on the storm había publicado dos libros de poemas: The Lords/Notes on vision y The new creatures. Durante sus presentaciones como rockero improvisaba poesías. Después de su muerte se publicaron otros dos: The Lost Writings of Jim Morrison Volume I (1988) y Volume II, The American Night (1990) los cuales entraron rápidamente en la lista de los best sellers del periódico New York Times.

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WOODY ALLEN

Woody

Woody Allen (Allan Stewart Konigsberg) además de ser un conocido actor, director, guionista, ensayista y comediante también es un reconocido escritor de obras de teatro. Sus libros de cuentos han recibido un amplio reconocimiento del público (Getting Even (1971), Cuentos sin plumas (1975), Side Effects (1980) y Pura anarquía (2007). Desde comienzos de los años setenta se presenta con su grupo las noches de los lunes en el Carlyle Hotel de Manhattan tocando jazz al estilo New Orleans en donde se muestra como un solvente clarinetista. En 1977 su película Annie Hall ganó varios oscars pero no fue a recibirlos porque como la entrega se hace los días lunes ya tenía su compromiso previo para tocar. Tuvo que aclarar que no lo habia hecho en protesta como lo hizo en años anteriores Marlon Brando por un asunto con los indios de los EE.UU.

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HUGH LAURIE / DOCTOR HOUSE

Hugh

James Hugh Calum Laurie tiene una extensa carrera en la televisión y el cine, fue el protagonista de la serie Dr. House. Como escritor ha publicado la novela The Gun Seller (1996) con un éxito moderado. Canta y toca los siguientes instrumentos: guitarra, armónica, saxofón, órgano Hammond B-3 y piano. Sus CDs son los siguientes: Let them talk (2011) y Didn’t it rain (2013). Se encuentra cómodo con el blues, rock, jazz e inclusive el tango (Kiss of fire/Besos de fuego). En sus presentaciones incluye invitados como Tom Jones, Dr. John e Irma Thomas.

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STEPHEN KING / ROCK BOTTOM REMAINDERS

King

King es sin duda el escritor de terror con más éxito en la historia. Su bibliografía es extensa, ha incursionado en otros géneros y obtenido innumerables galardones. Desde 1992 pertenece a una agrupación musical formada por escritores como Amy Tan (El club de la buena estrella y cinco novelas más), quien a veces canta These Boots are made for walkin’, Matt Gronning (autor de Los Simpsons y Futurama), Dave Barry (Premio Pulitzer), Scott Turow (Presunto inocente y nueve novelas más) y Greg Iles (Sueño mortal y 16 novelas más), entre otros quienes formaron Rock Bottom Remainders. Un grupo cuyo único fin es divertirse y participar en funciones benéficas. Sorprendentemente tocaron en la inauguración del Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland en 1995. Guitarristas como Bruce Springsteen y Robert McGuinnes (The Byrds) han sido invitados a sus presentaciones, así como también el multiinstrumentista Al Kooper quien los estuvo ayudando durante un tiempo. King apenas toca la guitarra y canta peor. En sus propias palabras: “Nosotros hacemos música en la misma forma que el grupo Metallica escribe novelas”. Son un cómico desastre.

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04 PERSONALIDADES

Caracas, 22 de Diciembre de 2015

04 PERSONALIDADES

FRANK SINATRA (1915 – 1998)

A 17 AÑOS DE SU DESPEDIDA

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La revista DOWNBEAT fue fundada en 1936. Inicialmente estuvo dedicada al jazz y posteriormente cambió su línea editorial para explorar el jazz, blues & beyond (jazz, blues y más allá, mucho más). La edición de marzo 1996 presentó una portada con Sinatra y un artículo titulado SINATRA & JAZZ, el cual generó una reacción inmediata de los lectores quienes dirigieron cartas a la revista en pro, en contra y de respuestas a los comentarios que hacían otros lectores por llamar a Sinatra un cantante de jazz. La polémica duró 6 meses hasta que la revista cerró el tema.

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Ahora bien, antes de discutir si Sinatra era o no un cantante de jazz, intentemos compendiar (no definir, es algo muy difícil y absurdo) lo que es un cantante de jazz. Un cantante de jazz es aquel que posee la habilidad para cantar correctamente notas no contenidas en la melodía escrita y que tiene un buen sentido del tiempo y la métrica, que puede actuarla, cantar un repertorio de estándares de jazz o de temas con estilos jazzísticos, que puede transformar una canción al jazz, ajustado a su alma, con un sonido individual fácilmente reconocible, en donde es más importante el mensaje que la técnica o el virtuosismo o el rango de escalas que puede cubrir, que se siente cómodo con un respaldo de músicos y arreglos pertenecientes al jazz En definitiva y simplemente, un cantante de jazz es como un músico de jazz.

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Con las premisas anteriores es muy fácil decir que en muchas oportunidades Sinatra se comportaba como un jazzista aunque algunas veces se alejaba parcialmente. ¿Y de dónde viene esa vena? En los comienzos de su carrera, durante 4 años, estuvo dando tumbos hasta que es contratado para ser el cantante de la orquesta del trombonista Tommy Dorsey con quien aprendió el fraseo del jazz (colocar a acentuación en las sílabas) y el legato (interpretación ligada de las notas sin que se noten la separación de sonido) típico de los instrumentos de vientos como el trombón y el saxofón.

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En el artículo de DOWNBEAT se pueden leer innumerables reconocimientos de jazzistas que incorporaron el estilo de Sinatra a sus interpretaciones. El saxofonista tenor Lester Young decía que solía escuchar los discos del cantante y tratar de hacer con el instrumento lo que hacía Sinatra y Miles Davis (desde mi punto de vista el músico más importante del jazz) en su autobiografía comentó: …”I learned a lot from the way Frank (and) Nat King Cole… phrased. These people are motherfuckers in the way they shape a musical line or sentence or phrase with their voice”. En una traducción libre: “Aprendí mucho de la forma en que Frank y Nat King Cole fraseaban. Esos son unos hijos de puta cuando transforman con sus voces una línea musical, una oración o una frase”.

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¿Y cómo llega este bloguero a conocer a Sinatra? Cuando tenía 9 años mi padre pensó que debería aprender inglés. Vivíamos en un lugar en donde no había academias y se le ocurrió comprarse el disco COME DANCE WITH ME de Sinatra porque sabía que tenía una dicción perfecta, consiguió quien le transcribiera las letras de las canciones y a esa edad me las aprendí todas y las cantaba. Pero el cantante no era más que el señor con quien estaba aprendiendo inglés. Posteriormente lo fui descubriendo, se convirtió en mi cantante favorito y me sentí muy contento cuando el saxofonista (Lester Young) y el trompetista (Miles Davis) quienes son los músicos que más me gustan le tenían un gran respeto.

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Para aquellos que no conocen al Sinatra jazzista existe una discografía que los puede ilustrar.

Sinatra – Basie (Reprise 1008).

It might as well be spring (Reprise 1011). Con Count Basie

Sinatra at the Sands (Reprise 1019), la orquesta de Count Basie con la dirección y arreglos de Quincy Jones. El que más me gusta de los tres.

Sinatra and Sextet (Reprise 45487).

Francis Alber Sinatra & Antonio Carlos Jobim (Reprise 1021). Una belleza de disco.

Songs for swingin’ lovers (Capitol 46470)

Con la intención de ilustrar la capacidad interpretativa jazzística de Sinatra el siguiente video es un excelente ejemplo

Frank Sinatra y la orquesta de Count Basie/ I’ve got you under my skin

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Veinte años después del artículo de la revista DOWNBEAT, este bloguero dice, sin ánimo de polemizar aunque indudablemente es inevitable, que el mejor cantante de todos los tiempos, el más completo es Frank Sinatra. Se aceptan los acuerdos y desacuerdos (siempre y cuando estos últimos sean respetuosos) los cuales puedes ser escritos al final del blog.

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07 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y SALSA

Caracas, 02 de Octubre de 2015

CURIOSIDADES DEL ROCK, JAZZ y SALSA 7

ROCK

Sting/El aguijón

Sting

El nombre real del ex bajista y cantante solista del grupo Police es Gordon Matthew Thomas Sumner. Entre 1971 y 1974 fue maestro de escuela primaria. Fueron años en los cuales se destacó como jazzista con las bandas Newcastle Big Band, Last Exit y Phoenix Jazzmen. Con este último grupo acostumbraba presentarse  con un sweater de rayas negras y amarillas y por esta razón, el líder d la agrupación le dijo que se parecía a una abeja y lo llamó Sting. En una entrevista en 1985 dijo que sus hijos lo llaman Sting al igual que su madre y que él ya no sabía quién era ese tipo que se llamaba Gordon Sumner.

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JAZZ

La trompeta doblada de Dizzy Gillespie

Gillespie

Existen dos historias sobre la trompeta torcida de Dizzy Gillespie. La primera tiene como fecha el 6 de enero de 1953. Se cuenta que Gillespie había dejado la trompeta en la habitación del hotel en donde estaba hospedado y al regresar la encontró doblada porque uno de los comediantes, Stump & Stumpy, amigos suyos, accidentalmente se había sentado sobre ella. Ya no había nada que hacer y cómo era el cumpleaños de su esposa Lorraine se puso a tocarla. En sus palabras: “En un primer momento no conseguía sacarle las notas exactas, pero poco a poco me fui acostumbrando a ese nuevo sonido, mucho más dulce. Toqué así el resto de la noche y, al día siguiente, la llevé para que la arreglaran. Días después, tocando otra vez con la trompeta enderezada, comencé a añorar aquella sonoridad, así que me dirigí a la fábrica Martin, que hacía las trompetas que yo usaba, y les pedí que me fabricaran una torcida. Me dijeron que estaba loco, y les respondí que sí pero que la quería, y ya he tocado con ese instrumento el resto de mi vida”. La otra historia la cuenta Gillespie en el siguiente video pero él siempre ha sido recordado como un inventor de cuentos y un gran contador de chistes.

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SALSA

Las primeras grabaciones de Celia Cruz

Celia

Los primeros discos, en 78 r.p.m., como solista de Celia Cruz fueron grabados en Venezuela. Había venido en 1948 acompañada con un grupo de bailarinas llamadas Las Mulatas de Fuego y en este país grabó con la orquesta Leonard Melody (La Mazucamba, Quédate negro, El cumbanchero y Mambé); con la de Luis Alfonso Larrain (Ya se acerca la comparsa, Comparsa barracón, Morumba y Rareza del siglo) y con la Sonora Caracas (Qué Jelengue, Rumba Columbia, Un poquito de tu amor y Pa’ goza’). Luego, en Cuba, es contratada para cantar con la Sonora Matancera y debuta con la agrupación el 3 de agosto de 1950. El público no le dio una buena recepción e incluso se enviaron cartas para que fuera cambiada por otra cantante. Cuando se fue al sello disquero SEECO para grabar también recibió un rechazo ya que se argumentaba que las mujeres no vendían discos. Sin embargo, Rogelio Martínez, el director de la agrupación, los convenció y de ahí en adelante se escribió la historia.

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06 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA

Caracas, 02 de Septiembre de 2015

CURIOSIDADES DEL ROCK, JAZZ Y CLÁSICA 6

ROCK

Elvis Presley murió dos veces

Presley sufría de hidropesía (acumulación de líquidos en los tejidos). En 1975 llegó a pesar 120 kilos. En un mes los médicos podían rebajarle 20 y él los recuperaba en una semana. En ese plan se mantuvo hasta 1977. El 10 de abril (tenía 42 años), en Baltimore, Maryland, durante un concierto sufrió un colapso, estuvo clínicamente muerto durante 30 minutos pero los médicos que lo acompañaban en la gira lograron salvarlo. El 16 de agosto de ese mismo año tuvo otro colapso y aunque lo encontraron vivo ya no se pudo salvar. La autopsia, que no se hizo pública sino el día 19 de marzo de 1980 reveló lo siguiente: se encontró en mayor o menos proporción la suma de estos fármacos… «drogas» legales: Zmytal, Biphetamine, Carbrital, Hydrochloride cocaine, Demerol, Dexamyl, Dexedrine, Dilaudid, Hycomine, Ionamin, Leritine, Lomotil, Parest, Percodan, Placidyl, Quaalude, Tuinal y Valium. Dieciocho fármacos, aunque en sus habitaciones privadas se hallaron recetas de otros muchos y frascos casi llenos de las más variadas sustancias. La consecuencia era evidente: Elvis Presley había muerto prácticamente envenenado. Su médico personal, el doctor George Nichopoulos, y el médico del Tennessee Medical Board, doctor Nick, tuvieron que responder a una acusación pública y el primero fue enjuiciado con cargos directos por este motivo.

Elvis 1 y 2

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JAZZ

Billie Holiday y God Bless the Child

Billie

En su autobiografía Lady Sings the Blues, Holiday cuenta cómo fue el origen de esta canción: Mi madre (La Duquesa) logró poner su restaurante, Mom Holiday’s, no me opuse porque eso la mantenía atareada, feliz, le impedía preocuparse por mí y vigilarme. Un día me esperó con lo siguiente:

—Estuvieron otra vez los de Sanidad. Y dicen que no puedo seguir friendo las hamburguesas en una sartén. Tengo que poner una plancha.

Le di los pavos necesarios para una plancha. Y cincuenta para esto. Y cuarenta para aquello. No sé cuánto me costó complacer a la Junta de Sanidad, pero fue bastante. Y nunca recuperé un centavo. Lo intenté una sola vez. Ni mamá ni yo lo olvidamos. Jamás lo olvidamos. Una noche yo necesitaba dinero y sabía que mamá lo tenía. Así que entré en el restaurante a la manera de un accionista y se lo pedí. Mamá me lo negó de plano. No quiso darme un céntimo. Se puso violenta conmigo y yo me puse violenta con ella. Intercambiamos unas palabras. Me largué deprisa, no sin antes decirle: «God bless the child that’s got his own (Dios bendiga al hijo que conserva lo propio)». Estuve resentida tres semanas. No podía dejar de pensar en este asunto. Un día, de pronto, toda una canción ocupó su lugar en mi cabeza. Esa noche me precipité al Village para ver a Arthur Herzog. Él se sentó al piano y sacó de oído frase por frase mientras yo la cantaba.

No veía la hora de redondearla y grabarla. Le hablé a Arthur de la pelea con mamá y de cuánto deseaba desquitarme. Cambiamos la letra en un par de ocasiones, aunque no mucho. Esto dejará sin resuello a la Duquesa, pensé. Y sin resuello la dejó.

La versión original de Holiday, para muchos la mejor cantante de jazz todos los tiempos (para este bloguero lo es) es ampliamente conocida, llena de inflexiones y sentimientos, con una pequeña voz de apenas una octava, es considerada insuperable. Hay muchas versiones, una de ellas poco conocida, la de una joven Aretha Franklin (1962) llena de poder y de inflexiones parecidas a la original.

Aretha Franklin/God Bless the Child

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CLÁSICA

Mozart y el aprendiz

Mozart

En cierta ocasión un joven músico pregunto a Mozart como debe hacerse para componer una sinfonía, Mozart le dijo:

Tu eres muy joven. Empieza por componer una canción.

Pero, maestro -dijo el joven músico-, usted componía sinfonías solo cuando tenía 10 años.

Si, lo hacía, pero nunca pregunté a nadie como hacerlo.-Respondió Mozart

Beethoven /Fur Elise o Fur Therese

Ludwig

Parece que el nombre original de esta composición era Para Teresa pero la lectura era ilegible y se convirtió en Para Elisa. Algunos investigadores, conociendo que en la vida de Beethoven había algunas Elisas, han justificado que el tema estaba dedicado a la Elisa 1 o a la Elisa 2. En cualquier caso sea para Teresa o Elisa 1 ó 2  es una de las mejores composiciones para piano más hermosas que existen. El manuscrito original está fechado 27 de abril de 1810. Beethoven murió en 1827 y 40 años después, en 1867 fue que se pudo publicar la partitura.

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01 JAZZ Y CINE

Caracas, 29 de Agosto de 2015

JAZZ Y CINE 1

Hablar sobre cuáles son las mejores películas de jazz de todos los tiempos es algo conflictivo por eso prefiero escoger las cinco que más me gustaron, de las que tengo mejores recuerdos. Es cierto que es algo personal pero espero no generar discusiones como por ejemplo: ¡dejaste esta por fuera!, ¿por qué esa de primera? Hay muchísimas otras que algunos, con toda la razón, pueden considerar mejores. En los comentarios, al final de este post, pueden dejar sus puntos de vistas. Son bienvenidos. De todas maneras, como pueden ver, ésta es sólo la primera parte sobre el tema.

A MAN NAMED ADAM (1966)

Director: Leo Penn

Protagonistas: Sammy Davis Jr., Louis Armstrong, Cicely Tyson, Kai Winding, Ossie Davis, Mel Tormé.

Color: blanco y negro

Fue la primera película de jazz que vi que me dejó una impresión duradera. Me gustaría tenerla en algún medio digital. Sólo conocía a Sammy Davis Jr. y a Louis Armstrong. La trama está basada en la vida diaria de un trompetista negro de jazz, sus altas y bajas, su dificultad para compaginar su genialidad con la banalidad del público y sus problemas raciales. Davis, en la vida real músico y negro, supo a la perfección lo que debía hacer. La música es del gran músico y compositor Benny Carter. Inolvidable.

Adam

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BIRD (1988)

Director: Clint Eastwood

Protagonistas: Forest Whitaker, Diane Venora

Eastwood no solo es un excelente director sino que también compone temas de jazz para sus películas, así que, nadie mejor que él para llevar a la pantalla la trágica vida de ese genio del saxo alto llamado Charlie Parker. Whitaker se adueñó del personaje y fue nominado a un Oscar al igual que el director pero ninguno ganó. La música es del compositor Lennie Niehaus quien para las escenas en donde Whitaker ejecuta el saxo alto aisló el sonido original y los mezcló con músicos actuales valiéndose de la tecnología de los ochenta.

Bird

 

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‘ROUND MIDNIGHT (1986)

Director: Bertrand Tavernier

Protagonistas: Dexter Gordon, Francois Cluzet, Gabrielle Harker, Herbie Hancock, Bobby Hutcherson.

La estética del cine europeo, para los occidentales acostumbrados al cambio constante de imágenes, puede resultar extraña. Sin embargo, la narrativa llevada a cabo por el director en un argumento basado en la vida que llevó el pianista Bud Powell durante su estadía en Europa no tiene pérdidas. Tavernier en vez  de llevarla a la pantalla de una manera literal utiliza un paralelismo mediante la figura del saxofonista tenor Dexter Gordon quien fue nominado al Oscar, pero no ganó aunque la música que compuso Herbie Hancock si le permitió ganarlo a éste último,

Round

 

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PARIS BLUES (1961)

Director: Martin Ritt

Protagonistas: Paul Newman, Joanne Woodward, Sidney Poitier, Diahann Carroll, Louis Armstrong

Color: blanco y negro

En los años cincuenta, cuando las diferencias raciales existen, dos músicos de jazz: Newman (blanco) y Poitier (negro) viven en Paris en donde los convencionalismos imperantes en su USA natal no están presente y creen que pueden desarrollar sus carreras al máximo. Se enamoran de dos turistas provenientes de su país y se les plantea el dilema de volver a su país o cumplir sus sueños como músicos. Newman acostumbrado al drama se desenvuelve como pez en el agua y Poitier, con una carrera más corta que la de Newman muestra la calidad de actor que sería en el futuro. La música es de Duke Ellington.

Paris

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SWING KIDS (1993)

Director: Thomas Carter

Protagonistas: Robert Sean Leonard, Christian Bale, Frank Whaley, Barbara Hershey

No es una película de jazz al 100%. Se desarrolla en la Alemania nazi del año 1939. Oír la música de las big bands y o bailarla es algo prohibido por el régimen de Hitler, aquellos que lo hacen son perseguidos y no queda más remedio que la clandestinidad. Algo parecido se vivió en el régimen cubano castrista cuando grupos como Irakere tenían que incluir disfrazados los elementos jazzísticos en sus temas. En el film también se incluye los conflictos típicos de la juventud de esa época. Leonard y Bale se muestran muy jóvenes y talentosos. La música es de James Horner, un ganador del Oscar en otras oportunidades.

Swing

 

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05 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA

Caracas, 14 de Agosto de 2015

CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y CLÁSICA 5

ROCK

La Bamba

Es una canción folclórica mexicana que tradicionalmente se tocaba en las bodas en Veracruz. En 1958 el californiano Richard Steven Valenzuela (Ritchie Valens) le hizo una adaptación al rock and roll consiguiendo los primeros lugares en diferentes países (Australia, Canadá, Francia, Irlanda, Italia, España, Suiza e Inglaterra) y en carteleras diferentes como Billboard Hot 100, Adulto contemporáneo y Latin songs. En el 2004 la revista Rolling Stones escogió lo que a su consideración eran las 500 mejores canciones de rock de todos los tiempos ocupando La Bamba el puesto 354. Lo curioso es que es el único tema cantado totalmente en español en aparecer en ese listado

LaBamba

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JAZZ

Getz/Gilberto

En 1962 el saxofonista tenor Stan Getz grabó el disco Jazz Samba considerado como uno de los primeros discos más importante en la fusión del jazz con el bossa nova, un estilo proveniente del Brasil con muchos elementos jazzísticos. En 1964 Getz se unió al guitarrista Joao Gilberto para hacer un disco icónico que no debería faltar en ninguna biblioteca de jazz que se respete: Getz/Gilberto. Cualquiera pudiera argumentar que no es un disco de jazz pero, igualmente, cualquier melómano no vacilaría en ubicarlo en este género. En 1965 el disco se ganó los siguientes premios Grammy: Best Album of the Year (derrotando a un excelente disco: A Hard Day Night de The Beatles), Best Jazz Instrumental Album – Individual or Group y Best Engineered Album, Non-Classical. “The Girl from Ipanema”, de Antonio Carlos Jobim e incluido en ese disco, también ganó el premio Grabación del año convirtiéndose en uno de los temas más versionado de todos los tiempos. Fue la primera vez que a un disco de jazz se le otorgaba el premio del Mejor Disco del Año (43 años después, en el 2008, lo hizo Herbie Hancock con el disco River: The Joni Mithchell Letters) y fue también la primera vez que a un músico no estadounidense se le otorgaba dicho premio.

Getz &Gilberto

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CLÁSICA

La sordera de Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) comenzó a perder audición alrededor de 1796 debido a una enfermedad llamada tinitus (ruido constante en el oído). Cuando compuso la Sinfonía N°1 (1799 – 1800) su sordera era evidente y al estrenarse la Sinfonía N°9 era de tal magnitud que no podía escuchar lo aplausos del público. La revista especializada British Medical Journal acaba de publicar un interesante estudio hecho por científicos de la Universidad de Amsterdam que relaciona los tres periodos de su espléndida obra con la evolución de su sordera. Han centrado el estudio en los cuartetos de cuerda. Se dice inclusive que influyó en su manera de componer ya que en su primera etapa Beethoven utilizaba todos los tonos que se le antojaban. Luego a medida que progresaba la enfermedad fue perdiendo la capacidad para escuchar los sonidos agudos usando preferiblemente notas de frecuencia media y baja en sus composiciones porque eran las que mejor podía manejar. Sin embargo, durante los ensayos ponía mucha atención a los arcos de los violinistas y era capaz de darse cuenta de las pequeñas imperfecciones en tiempo o ritmo para corregirlas inmediatamente.

Ludwig

 

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Otras curiosidades se pueden leer en estos enlaces

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 4

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CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 3

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02 UNA BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA

Caracas, 26 de Junio de 2015

02 UNA BREVE HISTORIA DE LA MÚSICA

LA ANTIGUEDAD

Se habla de historia cuando el hombre se inventa un sistema de escritura y comienza a dejar registrados sus hechos transcendentales. Bajo esa premisa la historia se divide en edades y la primera de ellas es la Edad Antigua la cual está comprendida desde 5000 años antes de Cristo hasta el siglo VI (años 501 a 600 después de Cristo). Durante este período florecieron las culturas de Egipto, Mesopotamia, Asiria, China, India, Perú, Creta, la Antigua Grecia y Roma, entre otros.

Kaypacha

En Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio; acompañaban al monarca no solo en los actos de culto sino también en las ceremonias del palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la cultura musical occidental. De ellos no han quedado melodías escritas pero se especula que ya tenían una notación musical.

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Los grabados, pinturas y murales de todas esas civilizaciones muestran, sin ninguna duda, que en esa época los conceptos musicales se estaban desarrollando ya que la complejidad de los instrumentos y las agrupaciones con instrumentos de cuerdas y vientos así lo atestiguan. Muy pocas evidencias escritas de partituras o algo que se le asemeje existen para interpretar la música que ellos interpretaban. La palabra música viene del griego mousike (el arte de las musas) que se utilizaba para designar la danza, la poesía y la música.

Phorminx

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En lo que se conoce como Imperio Nuevo (1550 a 1070 antes de Cristo), en Egipto, ya se detectan las escalas de siete sonidos. El arpa y el oboe predominan como los instrumentos preferidos. En la antigua Grecia los poemas épicos interpretados por los bardos o aedos (personas encargadas de cantar y transmitir la historia, leyendas y poemas de sus pueblos) eran usualmente acompañados por un instrumento de cuerda como la lira o el phorminx (lira homérica). Después de los poemas épicos aparece el ditirambo que son cantos dirigidos al dios Dionisos, usualmente acompañados de danzas y con el aulos, un instrumento parecido a la flauta. El canto llega a ser algo tan importante que en los Juego Olímpicos de Delfos se lleguen a otorgar medallas.

Aulos

Aulos

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Además de los tres instrumentos mencionados anteriormente otros que fueron muy importantes son la cítara, la siringa (también llamada flauta de Pan, por su creación mitológica que involucra al semidios Pan y la ninfa Siringa), el hidraulo (especie de órgano que funcionaba con agua), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro y las castañuelas. Posteriormente cuando los ejércitos comienzan a ser organizaciones estructuradas se les incorporan las bandas militares de músicos.

Flauta de PanKaypacha

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La composición más antigua que se conoce es griega y es un fragmento que se encuentra en una columna de mármol que un hombre llamado Seikilos había colocado sobre la tumba de su esposa Euterpe. En el siguiente video se puede ver una interpretación hecha por el grupo español Atrium Musicae de Madrid especializado en la música antigua.

 

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