15 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y BOSSA NOVA

Caracas, 26 de agosto de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y BOSSA NOVA 15

TRES RECHAZOS INOLVIDABLES

WHAT A WONDERFUL WORLD / TONY BENNETT

En una entrevista que se le hizo al cantante de jazz Tony Bennett le preguntaron si tenía que arrepentirse de algo en su carrera musical y contó lo siguiente:” A mí me ofrecieron de primero el tema What a Wonderful World pero no me gustó esa cancioncita”. El compositor, Bob Thiele, contactó a otro jazzista, Louis Armstrong, quien cuando cantaba presentaba una imagen de abuelo bondadoso que la aceptó inmediatamente grabándola en 1967. Han pasado cincuenta años y se ha convertido en un tema icónico siendo incluida, en 1999, en el salón de la fama del Grammy. Se le han hecho innumerables versiones, una de ellas es la de Tony Bennett

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THE BEATLES / SELLO DECCA

En 1961, cuando ya habían alcanzado un gran reconocimiento en Hamburgo, The Beatles creyeron conveniente dar el próximo paso: grabar un disco. Le pidieron a su manager Brian Epstein que empezara los contactos con las empresas disqueras importantes de Inglaterra. Luego de visitar Columbia, Phillips, Pye y Oriole ninguno mostró interés hasta que al fin el sello Decca les ofreció la oportunidad de una audición. Los escucharon y no gustaron. Les dijeron que ya habían demasiados grupos de guitarra y culminaron con “The Beatles have no future in show business” (The Beatles no tienen futuro en el negocio del espectáculo). Sin embargo, ese mismo día, contrataron a The Tremeloes, también de guitarras que históricamente tuvieron dos o tres éxitos y prácticamente están en el olvido. Fueron al sello EMI y ni siquiera se molestaron en oírlos. Epstein siguió insistiendo con Parlophone, una subsidiaria de EMI quienes debido al entusiasmo de Epstein les ofrecen una oportunidad y le colocan de productor musical a George Martin, un hombre especializado en hacer discos con comediantes, con muy poca experiencia en el rock, y que había trabajado con los actores Peter Ustinov, Peter Seller y Dudley Moore. Lo demás es historia ampliamente conocida.

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CHEGA DE SAUDADE/ANTONIO CARLOS JOBIM/JOAO GILBERTO

Es un tema con música de Antonio Carlos Jobim y letra de Vinicius de Moraes. Es considerado la primera canción de la bossa nova aunque la intención inicial no fue esa y ni siquiera el término ni el género existían. La primera versión, de Elizete Cardozo (1958) pasó sin penas ni gloria. Jobim y Gilberto estuvieron trabajando casi un año para darle la forma definitiva, fue una época de peleas y discusiones porque se estaba creando algo nuevo sin saberlo. Cuando el disco estuvo listo (1959) se le presentó a un ejecutivo del sello Odeon, en Río de Janeiro, e inmediatamente lo rechazó y rompió el 78rpm exclamando: “¿Por qué me mandan cantantes con resfriados?” El tema presentaba un intérprete con muy poca voz, casi un susurro y para colmo con una guitarra obviando la presencia del instrumento líder acostumbrado en esa época: el acordeón. Jobim y Gilberto insistieron, fueron a Sao Paulo, en donde se convirtió en un éxito influenciando a toda una generación, creando un género, dándole presencia a la guitarra acústica y al canto suave.

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14 CURIOSIDADES DE LA MÚSICA

Caracas, 19 de agosto de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 14

EL FILIN

En una entrevista que le hizo la Universidad de Guadalajara al compositor Cesar Portillo de La Luz (Contigo en la distancia, Tú, mi delirio, entre tantas otras canciones) dijo que a mediados de la década de los años cuarenta el bolero estaba influenciado por el drama y la tragedia del tango. En un artículo escrito por Eddy Rafael Pérez en El Nacional con fecha 4 de enero de 1987 contó que en esa década se comenzaron a reunir un grupo de músicos entre los que estaban él, José Antonio Méndez (La gloria eres tú), el Niño Rivera, el Ñico Rojas, Jorge Mazón y las cantante Elena Burke, Omaira Portuondo y Moraima Secada, entre otros, quienes iniciaron un movimiento en donde las composiciones e interpretaciones estaban llenas de vivencias, amor, sensibilidad y dotadas de renovaciones melódicas y armónicas con textos coloquiales. La gente que los escuchaba decía que eran muchachos con “feeling”, es decir, con sentimientos reales por lo que estaban tocando y cantando. Con el tiempo la expresión “feeling” se fue latinizando y ese movimiento se identificó con el nombre Filin.

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Cesar Portillo de La Luz (voz y guitarra)

EL CEREBRO DE LOS MÚSICOS

En la edición de la revista Discovery de Marzo 1994 se muestra un estudio de la Universidad de Dusseldorf en donde se le hizo un estudio de resonancia magnética a los cerebros de 27 músicos varones con entrenamiento clásico, derechos, ejecutantes del piano y de los instrumentos de cuerda los cuales se compararon con los de 27 personas masculinas, derechas, sin entrenamiento musical. Estos estudios demostraron que el cuerpo calloso (es el haz de fibras nerviosas más extenso del cerebro humano. Su función es la de servir como vía de comunicación entre un hemisferio cerebral y otro, con el fin de que ambos lados del cerebro trabajen de forma conjunta y complementaria) en los músicos es más grande. Se argumenta que es debido a que el músico debe escuchar, leer y tocar al mismo tiempo cuando hace interpretaciones. No dicen nada sobre aquellos que cuando tocan a la vez improvisan, es decir, componen a la vez que tocan, por ejemplo los jazzistas. National Geographic hizo un documental sobre el tema.

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HÉCTOR LAVOE

Cuando Héctor Juan Pérez Martínez estudiaba el saxofón uno de sus maestros le recomendó que hiciera un esfuerzo para tener mejor dicción porque debido a su presencia podía ser un excelente bolerista. Así lo hizo, abandonó el instrumento y se unió al grupo The New Yorkers con quien grabó su primer tema “Está de bala” (Mi china me botó). Posteriormente su agente pensó que con ese nombre no llegaría a ningún lado y creyó conveniente cambiárselo a Héctor Lavoz, pero ya existían Frank “The Voice” Sinatra y Felipe “La voz” Rodríguez. Le dieron un giro y lo convirtieron en Héctor Lavoe

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13 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 03 de Junio de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 13

JAZZ, RACISMO Y DISCRIMINACIÓN (1 de 2)

La Guerra Civil de los EE.UU. (1861 – 1865) trajo, entre otras cosas, el fin de la esclavitud. Los estados del sur, los perdedores, no se conformaron con ese resultado y comenzó otro período tormentoso en la historia de la raza negra.

Hasta principios de los años sesenta los negros sufrieron abiertamente segregación, racismo, discriminación y marginamientos en las diferentes actividades de la vida social. No tenían derecho al voto, los matrimonios interraciales no eran bien vistos, existían restaurantes para blancos y negros, en el transporte se separaban los asientos que eran para blancos de los que eran para los negros, en las escuelas de blancos no podían estudiar los negros, los parques tenían áreas para cada raza, las oportunidades de trabajo no eran iguales y cuando se conseguía los sueldos eran menores. De esto no escaparon los músicos de jazz

FLETCHER HENDERSON (1897 – 1952)

Pianista, arreglista, compositor y director se le acredita el desarrollo de la big band en el jazz. En 1920 se graduó en química y matemática y decidió hacer un postgrado en la Universidad de Columbia de New York pero se dio cuenta que debido a su color sus posibilidades de ejercer esta carrera eran muy bajas por lo que se cambió, afortunadamente, a la música dejando un legado importante.

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ANÉCDOTA EN EUROPA

En la prehistoria del jazz, cuando todavía no estaba totalmente desarrollado, existió un músico negro, James Reese Europe, con una gran capacidad empresarial que pudo organizar una orquesta, integrada totalmente por gente de su color, con la cual viajó a Europa durante la Primera Guerra Mundial. En Francia, país de libertades, no escaparon a la “creencia” inventada acerca de que los negros no podían hacer buena música simple y llanamente por ser considerados inferiores. Luego de una presentación un grupo de  músicos franceses se acercó a la agrupación y elaboraron la teoría siguiente: los negros tocan bien y tienen “swing” porque los instrumentos están “preparados”. Se intercambiaron los instrumentos: los negros tocaron con los de los blancos y viceversa. La situación siguió igual. Los negros sonaban espectaculares. Argumentaron otra teoría: las partituras son “diferentes”. Se intercambiaron las partituras y los negros seguían con el swing mientras que los franceses seguían sonando académicos. No les quedó más remedio que retirarse sin comprender lo que pasaba.

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COTTON CLUB (Harlem, 1923 – 1935)

Fue un club exitoso exclusivamente para blancos ubicado en el barrio Harlem (para esos años mayormente habitado por negros) de New York. Esta raza solamente tenía entrada como mesoneros, cocineros, aseadores, bailarines y músicos. Por ese sitio desfilaron las orquestas de Duke Ellington, Cab Calloway, Jimmie Lunceford, Count Basie (todas dirigidas e integradas por negros) entre otras.

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UNA DE LAS PRIMERAS AGRUPACIONES INTERRACIALES

Durante los años veinte y treinta, época de racismo claramente definido y exhibido, los músicos, sin embargo, disfrutaban de un entendimiento en donde esas barreras fueron derrumbadas. Blancos y negros tocaban entre sí pero de manera clandestina, en sitios de ensayos, en los clubs luego que cerraban, muy difícil que lo hicieran en público. Una de las primeras agrupaciones las hizo el clarinetista Benny Goodman siendo la más famosa de ellas las que integraron el pianista Teddy Wilson, el vibrafonista Lionel Hampton (ambos negros) y Gene Krupa (batería) y Goodman (clarinete) blancos. Todavía, en los cincuenta, cuando Charlie Parker contrató al trompetista blanco, Red Rooney, para hacer una gira por el sur para evitarse conflictos lo anunciaba como el Albino Roodney.

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(en el próximo post termina esta serie sobre el racismo y la discriminación en el jazz).

12 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 02 de Abril de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 12

ASÍ ENTRA EL PIANO AL JAZZ

Desde las películas de vaqueros nos hemos acostumbrados al pianista solitario ambientando al saloon. Esa imagen ha persistido en el tiempo y todavía existe. A finales del siglo XIX, entre 1880 y 1900 se fue desarrollando un estilo en el piano, el ragtime, una de las raíces del jazz, el cual sonaba así:

Scott Joplin – The Entertainer (1902)

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Durante esos años comenzó a gestarse una música que luego se llamaría jazz y en donde los instrumentos que se utilizaban eran el clarinete, la corneta (luego sustituida por la trompeta), el trombón, la tuba (para producir las notas bajas y luego sustituida por el contrabajo) e instrumentos de cuerdas como el violín, el banjo y la guitarra. Entre los trabajos de estas agrupaciones estaban la de acompañar los entierros al cementerio con música triste y al retorno con música alegre. Impensable era tener dentro del grupo a un piano y un contrabajo.

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DOS POR UNO

En New Orleans existió un distrito de luces rojas llamado Storyville (1897 – 1917) en donde había mucho trabajo para los músicos pero fue clausurado por ser un centro de perdición. Alrededor de 1917 empezaron a cerrar los locales disminuyendo las oportunidades para las agrupaciones con muchos integrantes, entonces el cornetista Freddie Keppard (1889 – 1933), quien en ese entonces dirigía la Original Creole Orchestra (1911 – 1923) creyó necesario despedir a dos de sus miembros, al guitarrista W.M. Williams y al violinista Jimmie Palao y los sustituyó por un pianista, es decir, dos por uno para abaratar los costos y así poder subsistir mejor como grupo. Sin embargo, los pianistas eran unos segundones: sólo acompañaban. Posteriormente la orquesta la dirige el cornetista Joe King Oliver y contrata a la pianista Lil Hardin (quien luego sería esposa de Louis Armstrong) pero el marginamiento era tan grande que a Harding se le ocurrió hacer un solo y al terminar se volteó Oliver y le dijo al grupo: parece que tenemos otro clarinetista.

Original Creole Orchestra

 

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A partir de mediados de los años veinte, el pianista Jelly Roll Morton, decidió que ya era hora de cambiar las cosas y lideró un grupo llamado Jelly Roll Morton and The Red Peppers y de ahí en adelante comenzó otra historia con una lista interminable de grandes instrumentistas y líderes.

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11 CURIOSIDADES DEL JAZZ

Caracas, 27 de Marzo de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ 11

EL TORMENTOSO CAMINO DEL SAXO

El saxo es un instrumento melódico cuya incorporación al jazz fue tardía. Era totalmente desconocido en las bandas ambulantes de los negros de New Orleans en donde prevalecía la alineación trompeta-trombón-clarinete. Alrededor de 1917 el tenor y el barítono comenzaron a verse en aquellas agrupaciones contratadas por los barcos que surcaban el río Mississippi. Pero no fue sino a partir de 1920, en Chicago, cuando el instrumento comienza a hacerse importante al romper el confinamiento en que se encontraba en las bandas militares y pasa a formar parte de los grupos jazzísticos.

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HISTORIA

Adolphe Sax

El padre del saxo sin dudas algunas fue el belga Adolphe Sax (1814-1894). Cuando lo patentó en 1846, los luthiers franceses no querían reconocerlo. Al comienzo su diseño sólo sirvió para irritar a sus competidores. El compositor Hector Berlioz, sobre este respeto escribió: “Las persecuciones por él sufrida son dignas de la Edad Media. Inclusive se le hicieron ataques físicos y tuvo que arreglárselas para sobrevivir a emboscadas. En una oportunidad uno de sus obreros fue apuñalado y se pensó que Sax había sido un blanco errado”.

La carrera del saxo ha sido accidentada. En una exhibición en París, un antiguo partidario de Sax, sugirió maliciosamente que el instrumento sólo sonaba bien, cuando era ejecutado por alguien tan hábil que hasta pudiera sacarle notas a un palo de escoba. El periódico The London Daily News, publicó en una edición: “El saxofón es un largo instrumento de metal, doblado en ambos extremos;  se dice que es para hacer música, pero esto no está probado. Tiene una serie de perforaciones y válvulas delgadas, que cuando son tocadas produce un sonido sugiriendo una agonía indescriptible. Realmente este era el problema básico, su sonido individual no compaginaba con los demás instrumentos de las orquestas sinfónicas”.

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Durante muchos años, el saxo estuvo relegado a las fanfarrias, circos, bailes y bandas militares, y todavía sus defensores, hasta la Primera Guerra Mundial, debieron luchar con mucho tesón para superar los prejuicios existentes.

JAZZ

En el jazz se utilizan principalmente el saxo alto, tenor, barítono y soprano.

 

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Luego de un comienzo tan accidentado y una incorporación tardía, la familia de los saxos se ha venido convirtiendo en unos de las más importante y populares del siglo veinte y veintiuno en el campo de la música popular y el jazz. Es un símbolo. La mayoría de los posters, portadas de discos, logos y nombres e incluso la substitución de la J por un saxofón a la hora de escribir jazz son una prueba de ello. Permanece como uno de los pocos instrumentos acústicos que todavía sorprende con sus posibilidades. Su espectacularidad sigue produciendo individualidades décadas tras décadas que atraen nuevos seguidores. Después del piano es quizás el instrumento que más talentos ha producido. Los días tormentosos han pasado.

10 CURIOSIDADES DE LA MÚSICA CLÁSICA

Caracas, 13 de Febrero de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA CLÁSICA 10

CARMINA BURANA / CARL ORFF

Para algunos la cantata Carmina Burana lleva el nombre de una mujer. En realidad el nombre está en latín y significa: Las canciones buranas. Carmina es el plural de Carmĕn que significa poema, canto y cantico y burana es el gentilicio que indica la procedencia: de Bura (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). Son poemas escritos entre los siglos XII y XIII en donde se pone de manifiesto el gozo por vivir, el interés por los placeres terrenales, el amor carnal, el disfrute de la naturaleza, y además son una crítica satírica a las diferencias sociales y a la iglesia. Eran años en los que cualquier cosa que se escribiera o cantara y que no estuviera dedicado a ensalzar a Dios era considerado profano. Por esta razón, cuando el compositor Carl Orff, entre 1935 y 1936, le puso música la subtituló: Canciones profanas para cantantes y coristas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas. Es una obra que transcendió su hábitat normal y se hizo muy popular entre el público no familiarizado con la música clásica. El tema con el que se inicia y cierra, O Fortuna, es quizás la pieza clásica que más se escucha en los medios. Ha aparecido en 11 películas (Excalibur, Speed, La Hija del General y otras); en 4 trailers; en 12 series de televisión y especiales; en 12 programas en vivo, reality tv y radio; en 5 publicidades (Old Spice, Domino’s Pizza y otros); ha sido versionada por más de 25 grupos de música pop, entre ellos DJs; ha aparecido en eventos deportivos y otros usos múltiples. O fortuna está dedicada a la diosa romana Fortuna, la patrona de la suerte. Su letra muestra las veleidades de la vida y como parece que estamos sometidos a los caprichos de un ser superior.

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MAURICE RAVEL / BOLÉRO

La historia del Boléro (con acento en la e y se pronuncia boleró como si el acento tuviera en la o) del compositor Maurice Ravel tiene una historia curiosa. En 1927 la bailarina Ida Rubinstein le pidió a Ravel que compusiera un ballet de carácter español. Acordaron que se podrían orquestar seis piezas extraídas de la suite para piano, Iberia, del compositor español Isaac Albéniz. A Ravel se le advirtió que los derechos ya habían sido cedidos a otra persona por lo cual,así que, para no meterse en problemas decidió abordar el proyecto desde otro punto de vista. El ritmo original iba ser un fandango pero le pareció que para un ballet era un ritmo muy rápido y por eso prefirió enfocarlo hacia unas danzas españolas del siglo XVIII llamadas bolero (ritmo ternario) que no tiene nada que ver con el bolero de El Caribe (compás binario). Por esa razón el nombre original del proyecto Fandango fue cambiado a Boléro. El estreno, en 1928, fue un éxito y contribuyo a solidificar la posición de Ravel como el mejor compositor francés de su momento. Sin embargo, en 1930, en la Ópera de París, el director italiano Arturo Toscanini se tomó la libertad de tocarla dos veces más rápido que lo escrito y acelerando el final. El éxito fue mayor. A Ravel no le gustó y entre bastidores tuvo una discusión con el director. Hay dos versiones de ella. Una dice que Toscanini habría llegado a decirle: «Usted no comprende nada de su música. Era el único medio de hacerla pasar” y otra del escritor Alejo Carpentier que estuvo en la presentación pero no en la discusión

—Maestro… yo llevo el Boléro mucho más lento, dijo Ravel.

—Es un error —le respondió Toscanini—. La concepción misma de la obra, su carácter, su estilo, imponen el tempo que yo he adoptado.

La forma de Toscanini es la que mayormente se interpreta y la más conocida.

El flash mob que se deja a continuación tiene la frescura de un grupo joven y la utilización de muchos más instrumentos de vientos que lo que pauta el original, por esa razón el final puede escucharse diferente y algo extraño.

 

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09 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y MÚSICA CLÁSICA

Caracas, 09 de Febrero de 2016

CURIOSIDADES DE LA MÚSICA 9

EL CLUB 27

Es un club fatídico en el que la única condición exigida para poder ser aceptado es la de morirse a los 27 años. La lista de miembros es larga e incluye a músicos que de una manera trágica han terminado su vida ya sea por el abuso de drogas, alcohol o alguna causa no natural. El tema ha permitido que se escriba un libro (The 27s: The Greatest Myth of Rock & Roll) en donde se analizan cada una de las personalidades fallecidas a esa edad e inclusive la British Medical publicó un trabajo en donde decía que no había ningún riesgo estadístico de muerte para los músicos que llegaban a los 27 años pero si para los que tenían entre 20 y 30. Entre los nombres más conocidos están los siguientes:

Robert Johnson (06 Mayo 1911 – 16 Agosto 1938): un bluesista cuyas grabaciones realizadas entre 1936 y 1937 influenciaron a muchos músicos. Envenenado. 27 años y 100 días.

Brian Jones (28 Febrero1942 – 3 Julio 1969): multiinstrumentista, fue el fundador y líder original del grupo de rock The Rolling Stones. Ahogado. 27 años y 125 días.

Jimi Hendrix (27 Noviembre 1942 – 18 Septiembre 1970) compositor y guitarrista del rock que revolucionó la forma de tocar la guitarra eléctrica. Asfixiado. 27 años y 295 días.

Janis Joplin (19 Enero 1943 – 04 Octubre 1970) muchos la consideran la mejor cantante de rock de todos los tiempos, entre ellos este bloguero. Sobredosis. 27 años 258 días

Jim Morrison (08 Diciembre 1943 – 03 Julio 1971) poeta y cantante líder del grupo The Doors. Dejó grandes temas clásicos en el rock. Paro cardíaco. 27 años y 207 días.

Kurt Cobain (20 Febrero 1967 – 05 Abril 1994) cantante, guitarrista y líder del grupo Nirvana enmarcado en el género grunge del rock. Suicidio. 27 años y 44 días.

Amy Winehouse (14 Septiembre 1983 – 23 Julio 2011) compositora y cantante en el jazz, rock y R&B. Intoxicación por alcohol. 27 años y 312 días.

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SOUNDIES Y VIDEO CLIP

El término Video Clip es muy amplio y aquí nos referiremos sólo al campo musical. Se designa con este nombre a cualquier grabación breve con la intención de promocionar un cantante, grupo o canción en donde se utiliza tecnología y conceptos para ilustrar la composición. Los historiadores estiman que el primero hecho con esa intención fue el tema Jailhouse Rock de Elvis Presley en el año 1957 y los primeros conceptuales fueron Paperback Writer y Rain de The Beatles de 1966. Entre esos años fueron extraídos muchos cortos de los shows que presentaban grupos y cantantes que en realidad cumplen con la definición general: extracción de un corto de una pieza más larga. No obstante, en 1930, a Carlos Gardel se le filmaron diez canciones. Este bloguero considera que la película Fantasía (1940) de Walt Disney no es más que una colección de videos clips para promocionar las técnicas de animación en desarrollo (esto no desmerece en absoluto a la película, es una obra maestra). Sin embargo, el primer esfuerzo realizado de una manera intencional para mercadear músicos y música se realizó desde 1940 hasta 1947 con los Soundies los cuales eran películas que duraban 3 minutos hechas en 16 mm y que podían verse en un aparato llamado Panoram, parecido a una rockola (jukebox) que mediante una moneda se podía disfrutar del artista y su música. Estos soundies fueron ampliamente utilizados por los jazzistas de la época y todavía se conservan de las big bands y de individualidades como Gene Krupa, Jimmy Dorsey, Mel Tormé y Stan Kenton entre otros.

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08 CURIOSIDADES DEL JAZZ Y EL ROCK

Caracas, 12 de Enero de 2016

CURIOSIDADES DEL JAZZ Y EL ROCK 8

ESCRITORES QUE SE DEDICAN A LA MÚSICA

En el mundo de la literatura existen personalidades que han podido enfrentar el campo musical con éxitos, moderados éxitos o sólo como una diversión. Son los casos, entre otros, de Jim Morrison, Woody Allen, Hugh Laurie y Stephen King

JIM MORRISON / THE DOORS

James Douglas “Jim” Morrison (1843 – 1971) antes de convertirse en el cantante exitoso del grupo The Doors y de canciones icónicas del rock como Light my fire y Riders on the storm había publicado dos libros de poemas: The Lords/Notes on vision y The new creatures. Durante sus presentaciones como rockero improvisaba poesías. Después de su muerte se publicaron otros dos: The Lost Writings of Jim Morrison Volume I (1988) y Volume II, The American Night (1990) los cuales entraron rápidamente en la lista de los best sellers del periódico New York Times.

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WOODY ALLEN

Woody Allen (Allan Stewart Konigsberg) además de ser un conocido actor, director, guionista, ensayista y comediante también es un reconocido escritor de obras de teatro. Sus libros de cuentos han recibido un amplio reconocimiento del público (Getting Even (1971), Cuentos sin plumas (1975), Side Effects (1980) y Pura anarquía (2007). Desde comienzos de los años setenta se presenta con su grupo las noches de los lunes en el Carlyle Hotel de Manhattan tocando jazz al estilo New Orleans en donde se muestra como un solvente clarinetista. En 1977 su película Annie Hall ganó varios oscars pero no fue a recibirlos porque como la entrega se hace los días lunes ya tenía su compromiso previo para tocar. Tuvo que aclarar que no lo habia hecho en protesta como lo hizo en años anteriores Marlon Brando por un asunto con los indios de los EE.UU.

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HUGH LAURIE / DOCTOR HOUSE

James Hugh Calum Laurie tiene una extensa carrera en la televisión y el cine, fue el protagonista de la serie Dr. House. Como escritor ha publicado la novela The Gun Seller (1996) con un éxito moderado. Canta y toca los siguientes instrumentos: guitarra, armónica, saxofón, órgano Hammond B-3 y piano. Sus CDs son los siguientes: Let them talk (2011) y Didn’t it rain (2013). Se encuentra cómodo con el blues, rock, jazz e inclusive el tango (Kiss of fire/Besos de fuego). En sus presentaciones incluye invitados como Tom Jones, Dr. John e Irma Thomas.

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STEPHEN KING / ROCK BOTTOM REMAINDERS

King es sin duda el escritor de terror con más éxito en la historia. Su bibliografía es extensa, ha incursionado en otros géneros y obtenido innumerables galardones. Desde 1992 pertenece a una agrupación musical formada por escritores como Amy Tan (El club de la buena estrella y cinco novelas más), quien a veces canta These Boots are made for walkin’, Matt Gronning (autor de Los Simpsons y Futurama), Dave Barry (Premio Pulitzer), Scott Turow (Presunto inocente y nueve novelas más) y Greg Iles (Sueño mortal y 16 novelas más), entre otros quienes formaron Rock Bottom Remainders. Un grupo cuyo único fin es divertirse y participar en funciones benéficas. Sorprendentemente tocaron en la inauguración del Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland en 1995. Guitarristas como Bruce Springsteen y Robert McGuinnes (The Byrds) han sido invitados a sus presentaciones, así como también el multiinstrumentista Al Kooper quien los estuvo ayudando durante un tiempo. King apenas toca la guitarra y canta peor. En sus propias palabras: “Nosotros hacemos música en la misma forma que el grupo Metallica escribe novelas”. Son un cómico desastre.

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04 PERSONALIDADES

Caracas, 22 de Diciembre de 2015

04 PERSONALIDADES

FRANK SINATRA (1915 – 1998)

A 17 AÑOS DE SU DESPEDIDA

La revista DOWNBEAT fue fundada en 1936. Inicialmente estuvo dedicada al jazz y posteriormente cambió su línea editorial para explorar el jazz, blues & beyond (jazz, blues y más allá, mucho más). La edición de marzo 1996 presentó una portada con Sinatra y un artículo titulado SINATRA & JAZZ, el cual generó una reacción inmediata de los lectores quienes dirigieron cartas a la revista en pro, en contra y de respuestas a los comentarios que hacían otros lectores por llamar a Sinatra un cantante de jazz. La polémica duró 6 meses hasta que la revista cerró el tema.

Ahora bien, antes de discutir si Sinatra era o no un cantante de jazz, intentemos compendiar (no definir, es algo muy difícil y absurdo) lo que es un cantante de jazz. Un cantante de jazz es aquel que posee la habilidad para cantar correctamente notas no contenidas en la melodía escrita y que tiene un buen sentido del tiempo y la métrica, que puede actuarla, cantar un repertorio de estándares de jazz o de temas con estilos jazzísticos, que puede transformar una canción al jazz, ajustado a su alma, con un sonido individual fácilmente reconocible, en donde es más importante el mensaje que la técnica o el virtuosismo o el rango de escalas que puede cubrir, que se siente cómodo con un respaldo de músicos y arreglos pertenecientes al jazz En definitiva y simplemente, un cantante de jazz es como un músico de jazz.

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Con las premisas anteriores es muy fácil decir que en muchas oportunidades Sinatra se comportaba como un jazzista aunque algunas veces se alejaba parcialmente. ¿Y de dónde viene esa vena? En los comienzos de su carrera, durante 4 años, estuvo dando tumbos hasta que es contratado para ser el cantante de la orquesta del trombonista Tommy Dorsey con quien aprendió el fraseo del jazz (colocar a acentuación en las sílabas) y el legato (interpretación ligada de las notas sin que se noten la separación de sonido) típico de los instrumentos de vientos como el trombón y el saxofón.

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En el artículo de DOWNBEAT se pueden leer innumerables reconocimientos de jazzistas que incorporaron el estilo de Sinatra a sus interpretaciones. El saxofonista tenor Lester Young decía que solía escuchar los discos del cantante y tratar de hacer con el instrumento lo que hacía Sinatra y Miles Davis (desde mi punto de vista el músico más importante del jazz) en su autobiografía comentó: …”I learned a lot from the way Frank (and) Nat King Cole… phrased. These people are motherfuckers in the way they shape a musical line or sentence or phrase with their voice”. En una traducción libre: “Aprendí mucho de la forma en que Frank y Nat King Cole fraseaban. Esos son unos hijos de puta cuando transforman con sus voces una línea musical, una oración o una frase”.

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¿Y cómo llega este bloguero a conocer a Sinatra? Cuando tenía 9 años mi padre pensó que debería aprender inglés. Vivíamos en un lugar en donde no había academias y se le ocurrió comprarse el disco COME DANCE WITH ME de Sinatra porque sabía que tenía una dicción perfecta, consiguió quien le transcribiera las letras de las canciones y a esa edad me las aprendí todas y las cantaba. Pero el cantante no era más que el señor con quien estaba aprendiendo inglés. Posteriormente lo fui descubriendo, se convirtió en mi cantante favorito y me sentí muy contento cuando el saxofonista (Lester Young) y el trompetista (Miles Davis) quienes son los músicos que más me gustan le tenían un gran respeto.

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Para aquellos que no conocen al Sinatra jazzista existe una discografía que los puede ilustrar.

Sinatra – Basie (Reprise 1008).

It might as well be spring (Reprise 1011). Con Count Basie

Sinatra at the Sands (Reprise 1019), la orquesta de Count Basie con la dirección y arreglos de Quincy Jones. El que más me gusta de los tres.

Sinatra and Sextet (Reprise 45487).

Francis Alber Sinatra & Antonio Carlos Jobim (Reprise 1021). Una belleza de disco.

Songs for swingin’ lovers (Capitol 46470)

Con la intención de ilustrar la capacidad interpretativa jazzística de Sinatra el siguiente video es un excelente ejemplo

Frank Sinatra y la orquesta de Count Basie/ I’ve got you under my skin

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Veinte años después del artículo de la revista DOWNBEAT, este bloguero dice, sin ánimo de polemizar aunque indudablemente es inevitable, que el mejor cantante de todos los tiempos, el más completo es Frank Sinatra. Se aceptan los acuerdos y desacuerdos (siempre y cuando estos últimos sean respetuosos) los cuales puedes ser escritos al final del blog.

07 CURIOSIDADES DEL JAZZ, ROCK Y SALSA

Caracas, 02 de Octubre de 2015

CURIOSIDADES DEL ROCK, JAZZ y SALSA 7

ROCK

Sting/El aguijón

El nombre real del ex bajista y cantante solista del grupo Police es Gordon Matthew Thomas Sumner. Entre 1971 y 1974 fue maestro de escuela primaria. Fueron años en los cuales se destacó como jazzista con las bandas Newcastle Big Band, Last Exit y Phoenix Jazzmen. Con este último grupo acostumbraba presentarse  con un sweater de rayas negras y amarillas y por esta razón, el líder d la agrupación le dijo que se parecía a una abeja y lo llamó Sting. En una entrevista en 1985 dijo que sus hijos lo llaman Sting al igual que su madre y que él ya no sabía quién era ese tipo que se llamaba Gordon Sumner.

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JAZZ

La trompeta doblada de Dizzy Gillespie

Existen dos historias sobre la trompeta torcida de Dizzy Gillespie. La primera tiene como fecha el 6 de enero de 1953. Se cuenta que Gillespie había dejado la trompeta en la habitación del hotel en donde estaba hospedado y al regresar la encontró doblada porque uno de los comediantes, Stump & Stumpy, amigos suyos, accidentalmente se había sentado sobre ella. Ya no había nada que hacer y cómo era el cumpleaños de su esposa Lorraine se puso a tocarla. En sus palabras: “En un primer momento no conseguía sacarle las notas exactas, pero poco a poco me fui acostumbrando a ese nuevo sonido, mucho más dulce. Toqué así el resto de la noche y, al día siguiente, la llevé para que la arreglaran. Días después, tocando otra vez con la trompeta enderezada, comencé a añorar aquella sonoridad, así que me dirigí a la fábrica Martin, que hacía las trompetas que yo usaba, y les pedí que me fabricaran una torcida. Me dijeron que estaba loco, y les respondí que sí pero que la quería, y ya he tocado con ese instrumento el resto de mi vida”. La otra historia la cuenta Gillespie en el siguiente video pero él siempre ha sido recordado como un inventor de cuentos y un gran contador de chistes.

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SALSA

Las primeras grabaciones de Celia Cruz

Los primeros discos, en 78 r.p.m., como solista de Celia Cruz fueron grabados en Venezuela. Había venido en 1948 acompañada con un grupo de bailarinas llamadas Las Mulatas de Fuego y en este país grabó con la orquesta Leonard Melody (La Mazucamba, Quédate negro, El cumbanchero y Mambé); con la de Luis Alfonso Larrain (Ya se acerca la comparsa, Comparsa barracón, Morumba y Rareza del siglo) y con la Sonora Caracas (Qué Jelengue, Rumba Columbia, Un poquito de tu amor y Pa’ goza’). Luego, en Cuba, es contratada para cantar con la Sonora Matancera y debuta con la agrupación el 3 de agosto de 1950. El público no le dio una buena recepción e incluso se enviaron cartas para que fuera cambiada por otra cantante. Cuando se fue al sello disquero SEECO para grabar también recibió un rechazo ya que se argumentaba que las mujeres no vendían discos. Sin embargo, Rogelio Martínez, el director de la agrupación, los convenció y de ahí en adelante se escribió la historia.

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